Francis Bacon y el Neofigurativismo.

El Expresionismo, como ya analizamos en un artículo anterior, consistió en un nuevo posicionamiento del artista frente a la obra, puesto que en el lienzo, el pintor renunciará a las formas figurativas que habían sido las dominantes en gran parte del arte occidental abogando por el empleo de nuevas fórmulas artísticas conducentes a un objetivo: la expresión del sentimiento y el estado de ánimo del artista, alejándose de la realidad empírica a la que nosotros estamos acostumbrados. De este estilo artístico descollaron nombres como Kandinsky o Pollock, aparte de Mondrian, Tápies o Ernst.

Sin embargo, todo llega a su final, y cuando el Expresionismo abstracto dio todo lo que podía de si, comenzaron a surgir nuevas propuestas interesantes. Una de ellas consistió precisamente en algo tan habitual en la Historia: la reacción a lo anterior, ya sea de una manera violenta o más gradual. En el caso que nos ocupa, aparece el Neofigurativismo, consistente en la recuperación del lenguaje figurativo pero sin renunciar por completo a algunos postulados del Expresionismo, ya que se emplea un lenguaje pictórico rico en interpretaciones y que incita al espectador a involucrarse en la pintura más allá de lo formal que se pueda contemplar en ella.

En este caso, hoy nos ocuparemos de Francis Bacon. Analizaremos por encima su vida. Sé que hay algunos autores que detestan el uso de la contextualización de los artistas para explicar sus obras, pero no olvidéis que este blog es didáctico y es más fácil la comprensión de Bacon si antes podemos ver su pasado. La niñez de Bacon fue difícil, aquejado de asma, lo cual le complicó mucho su vida académica. Ese carácter enfermizo que afectó a su vida cotidiana, junto a una sexualidad reprimida, le fueron conduciendo a una configuración de su arte que con el paso de los años, daría como resultado ambientes claustrofóbicos sin espacios, pesimismo, tendencias a lo retorcido y más oculto del ser humano y al retrato de las caras ocultas de la misma existencia. Todo esto lo vamos a comprobar mediante el estudio de algunas de sus obras más relevantes. Pero todo a su tiempo.

Expulsado de casa por su homosexualidad, la juventud de Bacon transcurrió en Alemania por un tiempo, pero definitivamente, será en Francia donde se establezca. Allí entra en contacto con artistas y se dedica a la decoración de interiores. Durante la década de los 30, Bacon retomará y abandonará varias veces los pinceles, desalentado por la crítica de su trabajo y la falta de éxito de éste en las exposiciones que tomaba parte. En 1944, sus esfuerzos se verán recompensados por la polémica de Tres Estudios para figuras en la base de una Crucifixión, y a partir de ese momento, desarrollará una vida intensa que le traerá amor (muchas veces tormentoso), éxito y reconocimiento por diversas instituciones artísticas. Finalmente, en 1992, Bacon muere en Madrid de un problema cardíaco.

¿Cuáles serían las características generales de Francis Bacon?. Vamos a intentar clasificarlas si es posible, aunque sea un poco simplista.
a) Las influencias de Goya, Velázquez, Van Gogh, El Greco o los expresionistas alemanes son muy visibles. Ya sea desde el ondulamiento de las pinceladas al estilo de Van Gogh o las atmósferas grises y oscuras parecidas a la de Kokochka, lo cierto es que para este artista irlandés el estudio de las obras anteriores de otros artistas no era una cuestión baladí. Me gustaría hacer hincapié en el empleo de una técnica de granulado del color que ya fue usada por Goya tiempo atrás en su serie de Pinturas Negras para lograr un mayor impacto visual y emocional del espectador. Lo que todo esto quiere decir es que lejos de despreciar lo hecho en siglos posteriores, Bacon absorbe lo que más le interesa y lo adapta a su visión de la obra en sí misma y lo que necesita en el momento. Por ejemplo, la estética de la crucifixión fue muy atractiva para el artista de tal manera que era habitual verle recurrir cada cierto tiempo a ella. El mismo Bacon justificaba esto a pesar de ser ateo en el hecho de que la crucifixión es un gesto que pone una tensión especial en la vivencia del ser humano y eso es lo que él buscaba en concreto.
b) Para Bacon, estar frente al lienzo era un duelo. Quizás de ello se derive el conflicto interno que sus obras traslucen por medio de sensaciones de dolor, angustia y tensión.
d) Desintegración de las formas para una reconstrucción deformada de éstas: podemos intuir las figuras, pero en realidad, no son más que trozos deshilachados o fuertemente contorsionados sobre sí que se asemejan en la mente del espectador a las sensaciones que éste mismo percibe.
e) Alejamiento del racionalismo y la lógica: para Bacon, la pintura es arte en sí misma y no precisamente por el reflejo de una realidad existente, sino porque es el camino o vínculo hacia una impresión de sentimiento o sensación. Como dije anteriormente, ya os comenté que el Expresionismo abstracto, aunque agotado, tuvo un fuerte impacto por su legado en los estilos posteriores.
f) El Terror es una parte fundamental de la obra de este artista. Muchas veces las obras están insertas en espacios atemporales reflejados en el lienzo por medio de un solo color (naranja, rojo o negro) que aumenta la inquietud del espectador. Esa inquietud suele ir en aumento cuando las figuras representadas de una forma u otra expresan un dinamismo que no se corresponde con nada real ni transcurre en ninguna localización real. En el caso de Pintura 1946, detalles como los trozos de carne descuartizados, el empleo de tonalidades amenazantes o la dentadura firmemente cerrada del primer plano justifican esto.
g) Repetición de elementos en sus obras:
g.1) Formas Cúbicas: como ya podremos ver, muchas obras de Bacon se encuentran insertas en su interior dentro de varías líneas que al entrecruzarse, conforman cuerpos geométricos. En principio, podríamos decir que sería un elemento pictórico más al servicio de la obra, pero no es así. El mismo Bacon comentó que simplemente, servía para encuadrar lo más relevante.
g.2) Estructuras metálicas: que no tienen mayor importancia que la de apoyar y mantener la figura. Este recurso lo vamos a encontrar en Sin Título (Desnudo agachado sobre la barra) de 1952, pero también en Pintura 1946.
g.3) Cortinas de color: otro aspecto llamativo será que Bacon en ocasiones emplea o extiende una cortina de color sobre las figuras retratadas, empleando tonalidades azules o verdes. En el caso de Sin Título (Desnudo Agachado) de 1950 o Estudio del Retrato del papa Inocencio X de Velázquez, de 1953.


Analizaremos el tríptico de 1944 titulado como Tres Estudios para la figuras en la base de una Crucifixión, obra que le dio el espaldarazo definitivo que apuntaló su fama previa. Podríamos referir esta obra a su contexto histórico en el hecho de que la Europa de 1944 es una Europa sacudida por una guerra tan brutal que ha cuestionado y conmocionado su propia conciencia. Sin embargo, no debemos olvidar que Bacon sitúa su obra siempre en un halo atemporal, pues para él, esa dimensión no tiene especial significado en su trabajo. Son tres tableros que se dispondrían en exposición a modo de tríptico y que a continuación, analizaremos. Por un lado, el fondo se encuentra realizado en una fuerte color naranja sólido, que se encuentra redistribuido de alguna manera por líneas negras que parecen delimitar un espacio que no es real y que están enfocadas a resaltar el objeto. Quizás me equivoque en esto último: no es el objeto lo que Bacon quiere resaltar, sino la angustia y el terror de lo que expone. Encontramos unos cuerpos contorsionados, retratados con colores duros, rocosos, pro que en algunas tonalidades llegan a ser cercanos a una gran plasticidad como piel. Esos cuerpos tienen algo en común: una boca abierta que grita. Ese detalle es lo que más interesa: el terror, al que estamos sujetos todos los seres humanos. Es algo primitivo, que todos nosotros llevamos en nuestro interior. Otro aspecto interesante es que este trabajo suscita también algo de repulsa y disgusto en primera instancia al observador. No busquéis similitudes con el mundo real, ni paralelismos animales o humanos. Quedaos con la sensación.


La mutilación es un aspecto obsesivo para Bacon. En Pintura 1946 encontramos una crucifixión. ¿Dónde?. Solamente fijaos en la manera en que el cuadro crece desde abajo hacia arriba, ganando volúmenes conforme van apareciendo cuerpos distribuidos de manera caótica. En la parte inferior, un intento de paisajismo conlleva poco a poco al desarrollo de una estructura metálica que envuelve un cuerpo sepultado en tonalidades negras, que realzan lo que podría ser medio rostro inferior en el que destaca una mandíbula cerrada. Sin embargo, centra fuerza expresiva el empleo de trozos de carne colgadas o clavadas que mediante el uso de colores rojos, blancos y azulados imprime dramatismo a la composición. Precisamente, el hecho de que la mutilación sea un elemento tan recurrente va a hacer que algunas personas considerasen las obras de Bacon un espectáculo degradante. ¿Quizás logró el artista su objetivo? ¿No es el arte una forma de provocación?

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El arte de Ian Miller.

"Mis imágenes son la materia de los sueños y las apariciones, los temblores que mueven la falda del día. Pensamientos que no son dichos, recuerdos almacenados, traídos para ser aireados y entonces, retorcidos por la fantasía".

Los comienzos de la década de los años 80 del siglo XX fueron difíciles. El mundo asistía a un nuevo recrudecimiento de la Guerra Fría, con la Segunda Crisis de los Misiles de Berlín como inicio de esa tensión renacida entre los bloques. Así mismo, las diferentes economías europeas habían tenido que cambiar sus modelos económicos basados en la economía del Bienestar, y apoyar medidas liberalizadoras, que coinciden con la llegada al poder de figuras conservadoras como Margaret Thatcher en Inglaterra o Ronald Reagan en USA, lo que trajo consigo nuevas tasas de paro y el fin de determinadas políticas sociales que ya no tenían lugar en tiempos de crisis.

En el ámbito del arte, encontramos curiosamente, en unos tiempos de gran dificultad una proliferación artística, sobre todo en el campo de la música, que va a trascender a la sociedad. Algo que ya había sido iniciado por el movimiento hippie, pero en este caso, era al revés. Ahora era la música la que determinaba una nueva acepción sociológica: las tribus urbanas. El primero de ellos, el Punk, que tras unos años cortos de verdadera originalidad e ir en contra del sistema, moriría por su propio carácter y por las contradicciones entre sus postulados originales y la verdad de la realidad, cuando grupos como Siouxsie and The Banshees o los mismos The Clash fueron contratados por grandes discográficas. El Heavy Metal, con la fuerza de grupos como Black Sabbath, Judas Priest (que crearon la estética tópica del cuero y las tachas del movimiento heavy) y Iron Maiden; el Gótico como sucesor existencialista del punk y de marcado carácter apocalíptico; la música techno con grupos como Kraftwerk en la vanguardia de la tecnología fría aplicada a la música...

De todas maneras, la sensación en aquellos momentos en el mundo desarrollado era de estar asistiendo al final de la civilización occidental y del fin de todo en definitiva. El continuo miedo a un desastre nuclear y a los horrores de éste, como las malformaciones, la contaminación medioambiental, las mutaciones, junto al hecho de que un sólo botón pulsado podía acabar con millones de personas en instantes con el uso de las nuevas armas atómicas era suficiente para crear un ambiente propicio para el agobio existencial. Para ello, podríamos citar el lema punk del "No Future" y la existencia de la famosa Generación X.

En este ambiente, comienza a desarrollarse el arte de un ilustrador, cuanto menos, llamativo. De carácter siniestro, tendente a la paranoia y a la opresión del alma, Ian Miller nació en 1946, y realizó sus estudios de arte durante la década de los años 60, hasta que en los años 70, se graduó con honores en el St Martin College Art de Londres en escultura, antes de pasarse a su faceta más conocida: la pintura.

Durante la década de los 70, Ian se ganó la vida como ilustrador profesional y participó en los proyectos del cineasta Ralph Baskhi en la creación de varias películas de animación que hoy son objeto de culto: Hechiceros de la Guerra (Wizards) o El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings). Ahí aportó su estilo que analizaremos más adelante.

Ya en los 80, él junto a John Blanche, fueron los ilustradores habituales para la empresa de juegos de miniaturas Games Workshop, que había contratado a ambos artistas para que dieran a sus productos una ambientación gótica y siniestra. Así, veremos que Ian Miller será habitual en la maquetación e ilustración de los libros de GW, como podemos observar "Realms of Chaos". Además, ha realizado muchas más colaboraciones y creado recopilaciones de sus obras como

En la actualidad, podéis visitar la web de Ian Miller y os sorprenderéis de su mundo. Lo que sí es seguro que indiferentes no podréis permanecer.

¿Cómo es el estilo de Ian Miller?. Podemos encontrar en su obra tres apartados.
1)Realizadas en base a un fuerte geometrismo, en el que todo tipo de figura aparece representada en base a cuerpos geométricos, empleando en la mayoría de los casos el blanco y negro, usando los matices para destacar los volúmenes. Son habituales el empleo de materiales como tintas sobre lienzos, con solidez y precisión en los trazos.
2)Montajes y collages realizados con fotografías reales retocadas, situadas en ambientes dibujados y pintados, con difuminaciones y empleo de diversos materiales, desde las tintas, el carboncillo hasta acuarelas o rotuladores.
3)Obras que se remontan a un fuerte expresionismo creado con figuras realizadas mediante técnicas infantiles.


Las temáticas son variadas. Desde ambientes de fantasía como "El Templo de Khorne" o "La Casa de Ctulhu", hasta otros totalmente inspirados en la realidad, en función generalmente del tipo de trabajo encargado, ya que es un ilustrador. Sin embargo, no olvidemos que Ian Miller produce arte para galerías privadas de arte moderno, por lo que hay espacio para las rupturas y las novedades.
El expresionismo y el impacto emocional que crea este autor podrían ser sus características más primordiales, pero a mi juicio, considero que es más bien la inquietud. Cualquiera de sus obras tiene un nervio de desesperación y ambiente opresivo. Hay figuras que observan de manera amenazante al espectador, otras escenas en las que moscas gigantes con aserradas lenguas intentan atravesar un panel mientras seres humanos desesperados observan al espectador mientras gritan de terror... Incluso los trabajos de Ian Miller que emplea técnicas similares a las de los niños guardan ese halo de miedo.

Si queréis ver algo de lo impactante de este autor... observad esto. Su estilo en ocasiones me recuerda a Francis Bacon por la forma de llegar a deformar y dar un aspecto siniestro a escenas en principio que no prometen nada de eso:

Salvador Dalí o la vida de un genio (1904-1989).

Dedicado a los lectores de Clases de Historia, por las 10.000 visitas recibidas. Gracias de corazón.

El 11 de Mayo de 1904 nace en Figueras Salvador Dalí. Su infancia transcurrió marcada por varios sucesos: su tendencia a la megalomanía y a creerse perteneciente a una clase superior social, traumas sexuales infantiles, problemas en la escuela, la muerte de su madre… Todo ello le hizo tener un carácter excéntrico, propio de un genio. Era incapaz de orientarse a sí mismo en la realidad, y durante sus estudios en la Residencia de Estudiantes de Madrid, fue considerado casi como un monstruo llamativo, una mascota que sus amigos se llevaban para mofarse de él. Sin embargo, cuando Dalí empezó a desarrollar su arte en forma de unos primeros cuadros de carácter cubista, algunos de los otros estudiantes (como Luis Buñuel, Pepín Bello o Lorca) se interesaron por él.

En sus primeros trabajos, Dalí mostrará un dibujo muy plástico, muy sólido y consistente, con tendencias a emplear un lenguaje en el que abunda la literatura. De esta etapa, en 1921, encontramos "Muchacha en la ventana", que presenta a la hermana del artista de espaldas. Una composición simple y clásica, pero que queda rota porque la figura principal da la espalda al espectador. Pero será el período entre 1925-1940 los años de mayor proliferación de obras del artista. En la primera parte de la etapa, las influencias del surrealismo son determinantes.

Sobre 1926, Lorca y Dalí proyectaron realizar una obra de pinturas del artista catalán llamada el Libro de los Putrefactos, en el que atacaban a todos los personajes anacrónicos de la sociedad española de aquel tiempo. Y aunque aquel trabajo no se publicó, sí estableció un vínculo importante entre Lorca y Dalí. En 1927, realizará cuadros con influencias surrealistas de Max Ernst, que podemos observar en "El Nacimiento de Venus", "El Burro Podrido" y "La miel es más dulce que la sangre" (en los cuales reflejaba su miedo al sexo y a la muerte mediante la representación de cuerpos mutilados y corruptos).

En "La miel es más dulce que la sangre", aparecen dos burros podridos, el busto de Lorca tirado en el suelo, una cara estilizada que parece representar a Dalí y un cuerpo de mujer mutilado. El resto de la composición refleja figuras varias, que el círculo de amigos de Dalí clasificaban como "aparatos", por ser algo inclasificable. Lorca mencionó a Dalí la posibilidad de titular al cuadro como "Bosque de Agujas".

En 1928, Dalí se muestra dadaísta al suscribir el "Manifiesto antiartístico catalán", atacando todo lo que significaba pasado de moda, como la sardana, por ejemplo. De hecho, cuando Lorca publica "La Casa de Bernarda Alba", Dalí le acusa de ser un "putrefacto" por tomar ese nuevo camino en su obra literaria. Luis Buñuel, por otra parte, sólo sabía atacar a Dalí con que su "novio" intentaba hacer de él un "putrefacto". Así las cosas, estaba claro que Dalí continuaría su camino lejos de Lorca. Su interés ahora estaba centrado en la fotografía y el cine, ambas artes, para él, como las más "antiartísticas" y modernas por tanto. En 1929, "El perro andaluz", primer film surrealista y cuyo guión fue preparado por Dalí y Buñuel, les permitió adentrarse en París y las vanguardias de André Breton. Dalí volcará en esa película como en "La Edad de Oro", también de Buñuel, escenas derivadas de los principales artistas que influyeron a Dalí: Mantegna (El Tránsito de la Virgen), Finis Mundi (Valdés Leal), Ángelus (Millet), Encajera (Vermeer)…
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En 1929, "El Gran Masturbador" nació como una forma más de la psicología interior del artista expresada en la pintura, una característica propia del Surrealismo, como ya hemos visto en clase. El padre de Dalí se sintió culpable de que su primer hijo muriese antes que el artista, debido a su vida de soltero algo dispersa. Para evitar que la historia se repitiese, Dalí tuvo acceso a un libro de patología médica sobre enfermedades venéreas que le impactó. "El Gran Masturbador" es un reflejo de la impotencia sexual de Dalí, y cómo éste tomó el onanismo compulsivo como una vía de escape (de tal manera, que frecuentaba burdeles sin tener ningún tipo de contacto con las prostitutas para no contaminarse).En 1931, completa su obra más famosa quizás "La persistencia de la memoria", en la que los relojes se funden y derraman sobre la escena. En el centro del cuadro observamos un autorretrato estilizado del mismo Dalí de nuevo, mientras que el reloj naranja muestra hormigas (que en el lenguaje de Dalí representa la muerte, tal y como vimos en los burros podridos). Según el mismo Dalí, un reloj presenta las dificultades del nacimiento y el otro, del momento antes de nacer. El paisaje representa el cabo de Creus.

Su enfrentamiento con su padre le dio al artista un nuevo período que se caracterizó por el mismo pensamiento que tenía Dalí de sí: Guillermo Tell, que huía de la violencia paterna.En esta etapa realiza "El Hombre Invisible". Los juegos de las imágenes que podemos observar se basa principalmente al desarrollo de la técnica de la imagen doble que logró Dalí, y la operación de quiste que tuvo su amante Gala por entonces queda representada en la forma en que representa el útero femenino en la parte inferior de las piernas del hombre invisible. Sin embargo, su amistad con el director de cine Buñuel acabará con el inicio de la Guerra Civil (aunque previamente habían tenido fuertes enfrentamientos por la propiedad intelectual de "Un perro andaluz".

La Guerra Civil obliga a Dalí a abandonar su "antiartistismo" y ser un "putrefacto". Las propiedades de su familia fueron atacadas por anarquistas y republicanos, y él siente que debe retomar sus vínculos con su padre y con España. Poco antes de que estallase la Guerra Civil, Dalí viajó a Nueva York y allí entró en contacto con la fama de Mae West, que él mismo descompuso en su obra "Mae West como una vivienda", en base a la disposición de los muebles de ésta. En 1936, realizó "Premonición de la Guerra Civil", en la que la figura aparece desmembrada, en tensión, descompuesta, en una gama de colores amarillos o anaranjados de tonalidad que revelan desesperación, alargando los miembros y apoyándose en paisajes vacíos que refuerzan el aspecto de soledad. Sin embargo, podemos decir que Dalí y su experiencia americana fue una relación exitosa. Dalí dio varias entrevistas a medios escritos americanos dando lugar a la extrañeza y la curiosidad (una de esas entrevistas fue dada con una barra de pan por sombrero), lo que le permitió decorar grandes almacenes americanos.

Al volver de USA, Dalí había cambiado mucho. Ya no era un pintor surrealista de prestigio, sino un auténtico fenómeno artístico y social, con lo que podríamos decir hoy día, un buen marketing. Partidario de la energía atómica (por ejemplo, su cuadro "Leda Atómica"). De tal manera, que André Breton se refería a Salvador Dalí como "Avida Dollars", por su derroche y gusto por el lujo. En la "Madonna de Port Lligat", muestra a su mujer Gala como una virgen, empleando la descomposición de las figuras para componer otra nueva.En 1951, el artista retomó un fuerte barroquismo en su obra como "Cristo de San Juan de la Cruz", donde la perspectiva imposible, la presentación cenital de Cristo, la línea oblicua y el tenebrismo suponía un nuevo lenguaje basado en la mezcla de lo antiguo y lo moderno.

Los últimos años de Dalí no estuvieron exentos de escándalos. Por ejemplo, pagaba en restaurantes de lujo con fotocopias autografiadas de sus obras, y esa práctica de la fotocopia y de otras técnicas pictóricas que serían procesadas y editadas por otros especialistas, fue lo que poco a poco creó una animadversión contra Dalí en los círculos artísticos serios del momento. En 1982, Dalí dejará la pintura (algo que se presagiaba cuando el mismo artista comentó que para él la pintura real era el óleo y no lo que estaba haciendo en los últimos tiempos).

El Cubismo: pintura y escultura.

Hasta ahora, hemos analizado siempre en nuestros comentarios de arte en clase la luz y el color y visto los espacios dentro de un cuadro como un soporte de dos dimensiones en el que hay que conseguir efectos de perspectiva mediante la combinación de elementos pictóricos tales como la composición de las figuras y la disposición de los objetos. Pero el Cubismo romperá con esa concepción del Arte que se tendrá hasta el siglo XX.

¿Qué es el Cubismo? En principio, el mismo crítico de arte que fundó, sin saberlo, el fauvismo, Louis Vaucelles, alumbró el término para referirse a la obra de Georges Braque como algo hecho en base a “cubos pequeños”. Y es que en verdad es así, puesto que el Cubismo rompe la imagen como si de un puñetazo en un espejo se tratase, creando formas poliédricas que reducen todos los componentes del cuadro a cubos. Además, las influencias de la geometría son tan determinantes, que podemos observar en los cuadros cubistas como un mismo objeto se ve, al mismo tiempo, desde diversos puntos de vista.

Dentro del Cubismo, podríamos distinguir dos tipos: el analítico (1908-1911) que diferencia y rompe las figuras, y el sintético (1912-1914), que las une entre sí creando nuevas formas.

¿Tiene precedentes el Cubismo? Podríamos referirnos a “ Los Jugadores de Cartas” de Cézanne de nuevo, en la manera en que este artista representó a sus figuras en base a cuerpos geométricos como cilindros o cubos, pero la forma en que los cubistas emplean los espacios y los colores (en base a gamas neutras y frías), hacen del cubismo mismamente algo muy novedoso.

Georges Braque junto a Picasso son los fundadores del estilo. Braque procedía del fauvismo, y su interés estribaba no en representar la Naturaleza tal y como era, sino como su cerebro, en base a las nuevas teorías de la Física moderna, la podía percibir como figuras geométricas. Braque no se alejó demasiado de la forma natural de sus figuras, siendo menos cubistas que su compañero español. A partir de 1912, Braque utilizará la técnica del collage para la composición de sus obras, escogiendo trozos que recorta de diversas formas geométricas que dispone sobre el lienzo. Herido en la I Guerra Mundial, a su vuelta, sigue con el cubismo, pero comienza a interesarse por elementos del clacisimo griego (Canéforas, 1923), que influye mucho en su arte, hasta tal punto que sus detractores le acusaron de hacer un arte meramente decorativo y para nada rompedor.


Otro de los grandes pintores del Cubismo será Juan Gris (su nombre verdadero era José Victoriano). Muy famoso por sus naturalezas muertas, emplea instrumentos musicales y otros elementos de la vida cotidiana e incorpora a su técnica el collage en 1913. Nacido en Madrid, estudió en la Escuela de Arte y Oficios y posteriormente, desplegó una intensa actividad profesional. Tras la I Guerra Mundial, Juan Gris volverá “al orden”, dedicándose a ilustrar y grabar libros.

En un nuevo artículo, escribiré sobre Pablo Ruiz Picasso, el gran exponente de este estilo pictórico.

En Escultura, encontramos a Alexander Archipenko como el gran escultor cubista. Introdujo el concepto de hueco en la escultura, como una forma de vaciar el interior de la figura, algo que nunca antes se había realizado. Su “Mujer Andando” sería una buena muestra de ello, pues presenta la silueta de una mujer, realizada en bases a líneas curvas rotas y formas poligonales, cuyo interior se encuentra por completo vaciado. Hasta 1910, Archipenko había desarrollado su trabajo empleando un único material, pero como los pintores cubistas hicieron con el collage, Archipenko mezcló diferentes materiales entre sí.Otros escultores cubistas serían españoles, como Julio González y su “Mujer ante el Espejo” y Pablo Gargallo y su “El Gran Profeta”, maestros ambos en la alternacia de formas abultadas y huecos en el interior. Pablo Gargallo aprendió de Julio González la soldadura autógena para poder trabajar el hierro, un tipo de soldadura empleada en la fusión de tuberías y tubos, consistentes en aplicar una llama de 1300ºC sobre el metal producto de la mezcla de acetileno y oxígeno. Como podéis observar, se emplean nuevos materiales que hasta entonces, no se habían usado para el arte escultórico.

El fauvismo.

1905. Salón de Otoño del Gran Palacio de París. Artistas, críticos y agentes de arte se dan cita para contemplar las novedades artísticas del modernismo que se suceden en aquellos momentos de principios del siglo XX. Sin embargo, en la sala VII, esperan a ser vistos por los asistentes una gama de obras que tienen como nexo común un fuerte colorido y una iconoclastia espectacular que romperá con todo lo hecho hasta ahora en la pintura occidental. Los nombres de los artistas: Mattise, Vlaeminck y Derain son las cabezas visibles del espectáculo. Los asistentes, cuando entran en la sala,salen escandalizados por lo que han visto, calificándolo como alejado del buen gusto y decadente. El crítico de arte Louis Vaucelles calificará el Salón de Otoño de ese año como "Donatello entre las fieras". Ese último término, fieras, en francés se conoce como "fauves".

Había nacido el fauvismo.

El ambiente artístico de comienzos del siglo XX era repetitivo y monótono. El academicismo clásico burgués había adormecido el espíritu artístico, limitándose a reiterar hasta el infinito modelos, composiciones y estructuras compositivas, sin ningún tipo de innovación y avance. Era un arte políticamente correcto que a excepción de la irrupción del Impresionismo, se había asentado sin oposición en las clases pudientes de la sociedad industrial. Frente a ellos, una generación nueva de artistas, que empezando por el Fauvismo y el Expresionismo después, desarrollarán nuevos estilos pictóricos como el Surrealismo, el Cubismo, el Hiperrealismo, el Futurismo... No hace falta ser un lince para saber que todos terminan en el sufijo -ismo, creándose así una etiqueta para poder englobar dentro de ella esta exhuberancia artística.

El pionero de todos estos istmos será el fauvismo, que tiene a Henry Mattise como su gran icono, aunque otros autores como Derain o incluso Georges Braque (que después se unirá a Picasso para crear el Cubismo, abandonando el fauvismo), será el temblor que amenace a esa sociedad acomodada burguesa. El fauvismo, artísticamente, se caracteriza por un uso indiscriminado del color (que emplean puros, sin mezclas, directamente desde el tubo de óleo aplicándolo sobre el lienzo), con pinceladas sólidas, contundentes y con cuerpos sólidos. El dibujo retoma su importancia, distinguiéndose así del Impresionismo, y las figuras, así como la distribución de los planos, son deudores directos de artistas postimpresionistas como Gauguin o Cezanne. Se renuncia por tanto a la luz y a sus tonalidades, a favor de una mayor violencia cromática, rasgo por el cual se caracterizó a este estilo como "fauvista", lo que descarta algún tipo de degradado o de trabajo con las sombras del color. Además, el fauvismo aportará un uso del color muy novedoso: se aplica a figuras que nunca en la realidad podrían tener esos colores (es posible encontrar caballos azules).

El exponente máximo del fauvismo lo encontramos en H. Mattise (1869-1954), quien seguirá fiel a este estilo toda su vida, a pesar de que el grupo de artistas fauvistas a finales de 1909 perdiesen su cohesión, algunos a favor del cubismo. La obra de Mattise refleja muy bien los postulados fauvistas: fuerza del colorido (empleo de gamas rojas y anaranjadas con fuertes contrastes en colores blancos y verdes)y preponderancia de la forma con contornos vigorosos.

En 1908, Mattise realizará su primera exposición fuera de París, en la Quinta Avenida de Nueva York, exportando este nuevo arte rompedor. Sus obras más famosas son múltiples como "Lujo, Calma y Voluntad" o "Una ventana abierta". En el caso de la primera, está clara la influencia del Impresionismo en la técnica, pero no es su finalidad y el resultado, ya que la pincelada es dura, consistente y las manchas de color son puras en su cromatismo. Sin embargo, las obras más ilustrativas de Mattise será "La Señora Mattise" o "La Mujer de la Raya Verde", en la que el artista experimenta de refilón con principios del cubismo, como la ruptura del plano en planos poligonales. Fijémosnos en el rostro, cómo los colores puros verdes, azules y rojos contrastan fuertemente entre sí, hasta el punto de quebrar la cara en dos partes diferentes. Otra de sus obras más reconocidas fue "La Danza", donde las figuras se mueven de manera grácil pero sin perder vigor y fuerza. Es muy claro, además, el uso que del fondo realiza el artista: se reduce a planos simples de color (influencia de Gauguin).

Vlaminck (1876-1958) se caracterizó por sus retratos de paisajes. Fue uno de los artistas que participó en el Salón de Otoño y se dedicó a escribir cuentos que Derain le ilustraba. En el "Sena en Chatou" podemos comprobar la fuerza de su pintura, basada en planos duros de azules que chocan con el verde del paisaje.Su amigo
André Derain (1880-1954) quizás fue más influenciado por Gauguin como así podemos ver en "La Bailarina", o por el Impresionismo, como el "Puente de Charing Cross". Más tarde, experimentó con la escultura, llegando a diseñar ropa.

La arquitectura del siglo XX.

La Escuela Funcionalista o Racionalista.
Las formas siguen a la función. Es decir, todo el elemento arquitectónico debe perseguir en conjunto una razón basada en cómo el edificio puede resolver o satisfacer una función concreta. Por ello, no abundan las curvas, sólo hay formas rectas, ortogonales, son bajos de techo y se prefiere el blanco a cualquier otro tipo de color. Abundan los nuevos materiales como el hormigón armado, el aluminio, los cristales…Hay un fuerte afán en combinar cuadrados con rectángulos, y fusionan las perspectivas laterales con otras frontales, se juega con volúmenes las formas se introducen unas en otras…
WALTER GROPIUS:
En la FAGUS WERKE FABRICK, este autor introduce la novedad de que ningún contrafuerte o apoyo exterior aparece de hecho en el exterior de la obra. Se introduce en los muros, dentro del edificio. En 1919, funda la BAUHAUS en la ciudad de Weimar aunque después se irá trasladando la sede a otras localidades como Dessau. La Bauhaus es una escuela de arquitectura, sí, pero no tenemos que olvidar que además, incluye diseñadores y otros profesionales que comparten en sus trabajos los siguientes principios: formas básicas, colores simples, nada de ornato inútil, simplicidad, uso sobrio de los espacios, materiales, dinero… La Bauhaus propone además que debe volverse a la artesanía, con la colaboración de los diferentes oficios entre sí, para crear una "máquina para vivir", como es la vivienda. Ya no existe un arquitecto para la BAUHAUS que siga los principios básicos del academicismo. El arquitecto es un artista que proyecta en su imaginación el edificio, pero trabajando de cerca con sus compañeros de proyecto.
En 1928, la BAUHAUS es cerrada por la presión nazi y Miles Van Der Rohe asume la dirección de la escuela. Así, USA ofrece la dirección del departamento de Arquitectura de Harvard a Rohe. Empleando el módulo de 7,30 metros, el artista consigue combinar ortogonal con vacío. Así crea los Gemelos de Chicago y el Seagram Building.
LE CORBUSIER (CARLOS EDUARDO JEANNERET).
Su arquitectura tiene grandes tintes urbanísticos: unidad de habitación. Introduce nuevos elementos arquitectónicos muy interesantes, como palafitos o elementos exteriores donde se apoya el edificio y por otra parte, incorpora calles por debajo del edificio, terrazas, espacios libres…
En Templo Católico, Le Corbusier busca que el hombre pueda procesar su religión pero alejándose de los patrones historicistas, hay una fuerte sencillez en las formas porque lo importante es el interior.

La escuela organicista.
A comienzos del siglo XX, hay una lucha entre historicismo y vanguardia, que en Europa, se traduce en fuertes enfrentamientos. Sin embargo, en USA, esto no es así, aunque sí es cierto que Frank Lloyd Wright apuesta por la opción de la vanguardia. Su arte no se compromete con nada, si acaso, con una necesidad social que conecta con una necesidad natural donde todo forma parte de un todo (orgánico). No existen en su obra ningún tipo de imposición o influencia previa.
El concepto orgánico es algo personal, propio e intransferible. El arquitecto no tiene influencias de ningún equipo de especialistas como en el caso de Le Corbusier y el racionalismo.
La actividad de Wright presenta dos fases:
Hasta 1910: La influencia que tiene Wright va a ser la cultura del indio, con amplios techos volados, con adornos geométricos al estilo indio. La estructura de las casa presenta una chimenea central y concibe los elementos arquitectónicos de sus obras como un enorme mecano. De esta época es la Casa Robie en Oak Park. La casa está en armonía con la naturaleza que le rodea, levantándose el edificio un poco sobre el terreno. Las habitaciones no se conciben como compartimentos cerrados entre sí, sino como elementos abiertos en los que existe una vía de comunicación entre ellos. El mobiliario forma parte de la arquitectura, y además, propone un aspecto estético en la distribución de las necesidades como agua, luz… Este concepto libre de la vivienda es posible para zonas residenciales, pero no así para cascos históricos, donde los terrenos ya están marcados y donde los edificios deben convivir con otros. Así, podemos ver los edificios Larkin Building y la Unity Church.
El edificio Larkin tiene una forma cúbica, siendo un edificio de oficinas realizado en ladrillo con un gran salón. La entrada es acodada y tiene un lugar secundario. Tenemos que tener en cuenta que las torres que dispone no tiene solamente una función decorativa, protegen las instalaciones y las escaleras. Esa concepción de todo como un órgano en la arquitectura crea esta situación.
La Unity Church, es un templo, donde queda expresada la unión entre el individuo y la comunidad. La luz se recibe a través de una estructura de vigas, y se filtra por medio de elementos en forma de globos dispuestos en vertical.
A partir de los años 30, la obra de Wright entra en un fuerte manierismo y de reinterpretación de su propia obra. De todas maneras, podríamos destacar que en el año 1959, durante un encargo que le llevará dieciséis años de trabajo, realizará el Museo Guggenheim de New York, en el que el arquitecto, desde una planta central, juega con los volúmenes y las formas arquitectónicas empleando ondulaciones y plegamientos, que introduce al visitante en un universo diferente en cuanto a la arquitectura se refiere.