Judas Priest, historia viva de la música.

Conocí a Judas Priest hace siete años y he de decir, que musicalmente, mi universo musical recibió un terremoto acústico que lo cambiaría para siempre,lo que me hizo que mi mente se abriese al heavy metal más allá de Iron Maiden.

Después de un mes, escribo este artículo porque acabo de saber que Judas Priest para el año 2011 hará su última gira y se retirarán definitivamente como banda del panorama musical. Y eso, aunque inevitable, ya que sus componentes superan los sesenta años de edad ampliamente, es una mala noticia para el mundo de la música en general. El que haya habido músicos, más allá del estilo al que pertenecieran, que cambiaron el rumbo de la música y que a través de los años y las décadas hayan permanecido incólumes y fieles así mismos...es una pérdida lógica, pero pérdida.Ya no hay grupos como Judas Priest.


Aparecieron a mediados de los años 70. Procedentes de la industrial zona de Birmingham, de clase trabajadora obrera, KK DOwning e Ian Hill buscaron otros componentes para poder formar una banda.Al poco tiempo, el hermano de la novia de Ian Hill, Robert Halford, ingresó en el grupo y más tarde, el genial guitarrista Glenn Tipton. Tras muchos conciertos en pequeños locales, los Judas Priest consiguieron por fin firmar para grabar su primer disco Rocka Rolla. Con un sonido claramente sesentero e influenciado por Led Zeppelin, los Judas Priest fueron evolucionando, dando canciones míticas como "Victim of Changes" o "Sinner", hasta que finalmente, allá a principios de los 80, apareció el disco que los encumbró como líderes del Heavy Metal mundial con la caída de Black Sabbath y con unos Iron Maiden aún embrionales: BRITISH STEEL.

Música de obreros para gente obrera. Himnos como "Breaking the law" denunciaban la crisis económica de principios de los 80 en Inglaterra y las consecuencias de las reformas laborales de Margaret Thatcher (cuando leáis la letra,será difícil no aplicarla a nuestros tiempos), u otras, como "Living After Midnight" ya asomaba la forma de divertirse salvaje por la noche. "Rapid fire" era una muestra de guitarras agresivas y solos endemoniados.


La verdad es que una de las marcas del sonido Judas fue siempre la lucha de solos entre KK Downing y Glenn Tipton. El primero, era un guitarrista con influencias claras de Jimi Hendrix, muy agresivo y voraz con las cuerdas, basando su técnica en la fuerza y la violencia con la que trabajaba el instrumento, mientras Tipton era más melódico y su rapidez en la ejecución junto a su facilidad para insertar diversas técnicas le sirvieron para ser considerado uno de los guitarras más influyentes de su tiempo. Otra de las marcas fue la impresionante voz de Rob Halford, estridente y dura, capaz de llegar a registros altísimos así como a tener una textura y una tonalidad dulce y embriagadora en el espectro medio y mediobajo del sonido. Además, Judas Priest fue un grupo que evolucionó por completo a lo largo de los años. No se estancó en un estilo hasta repetirlo a la saciedad. Sobre todo, se puede comprobar en los años 80 y principios de los 90.


El álbum Point of Entry fue un breve interludio (aun con grandes temas como "Heading out the higway") antes de los colosales "Screaming for vengeance" (qué comienzo de disco y qué final, aún recuerdo el increíble grito de venganza de Halford en la canción homónima del álbum) y "Defenders of Faith", con grandes temas como "The Sentinel", "Rock Hard Ride Free" o "Freewheel burning". Si escucháis ambos LP's os daréis cuenta que no tienen nada que ver uno con otro.

Después, el disco "Ram It Down" permitió a JP poder experimentar con el speed metal y el power metal incluso, trabajando con máquinas de ritmos y empleando un sonido en las guitarras espectacular ("Come and Get It", "Johnny B.Goode", "Ram It Down" o la maravilloso "Blood Red Skies"). Sin "Ram It Down", no vendría la otra cumbre de Judas Priest, en el año 1991: Painkiller.

Tras estar a punto de suicidarse con calmantes (Painkillers) debido a su condición homosexual escondida, Rob Halford decidió trabajar con el resto de la banda y crear un disco que fuese una lección. Una lección que antes del advenimiento del grunge, se basó en escuchar a grupos americanos como Pantera y el sonido de éstos, para recrear un nuevo universo apocalíptico metálico repleto de velocidad, dureza, rabia y fuerza. Painkiller fue el disco que me hizo enamorarme de Judas Priest, y el tema Painkiller, el solo que quise aprenderme como fuese posible.

La década de los 90 fue mala para JP. Halford abandonó la banda para experimentar en otros proyectos musicales de poco seguimiento y Judas Priest apostó por un fan cantante llamado Ripper Owens, que en fin... era más joven que Rob Halford y tenía potencia de voz, pero transmitiendo poco. Una oleada de mediocridad llegó a Judas Priest hasta que los caminos de Halford y el resto de la banda se reconciliaron, celebrando su retorno con "Angel of Retribution", ya en el siglo XXI.

UN gran disco, sobre todo si tenemos en cuenta que fue compuesto por una banda de sexagenarios que lejos de hacer como los Rolling, evitaron repetirse incluso después de más de treinta años de carrera. "Angel of Retribution" tiene maravillosas canciones como "Angel" o "Deal With the Devil", ésta última con quizás el duelo de solos más duro entre los guitarristas de Judas Priest.

En 2008, su último disco "Nostradamus" fue un último gesto de Judas Priest en su búsqueda de ir más allá. Quizás no eligieron bien el género (las operas metal en los últimos años abundan tanto como aburren), pero lo que es indudable es que el LP tenía buenos temas muy jugosos, por los que muchas bandas actuales matarían. Además, el sonido apocalíptico de Judas Priest encajaba a la perfección con el ambiente profético del futurólogo francés.


En definitiva, una grandísima banda que, sea cierto o no su retirada definitiva, merecía al menos, un pequeño homenaje en este pequeño blog. Siempre me emocionarán. Ya sea por la furia (Painkiller), el arrojo (Reckless), la rebeldía ("Breaking the Law"),el dolor (Here come the tears o "Beyond the Realms of Death"), la pasión (Victim of Changes), el amor (When night comes down),el amor no correspondido ("Prisoner of your eyes"), velocidad ("Freewheel Burning"),él animo de pelea ("Come and Get It")... Judas Priest siempre estará en mi memoria y su legado será imborrable mientras viva.



Muchas gracias por todo, Rob Halford, Glenn Tipton, KK Downing, Ian Hill y Scott Travis.

La cultura de fines de la Guerra Fría: Los 80 (II).

La actitud del mundo de la música siempre ha sido ambivalente respecto de la política, independientemente de la época que sea. Los años 80 no fueron una excepción. En este sentido, podíamos ver a los músicos divididos en aquellos que al ser ídolos de masas se centraron en denunciar el mundo en el que se vivía ( caso, por ejemplo, de Sting y su campaña para evitar la desforestación del Amazonas ), y otros que se limitaron a vivir cómodamente en el papel de megaestrellas que le concedió el mundo capitalista (caso de Michael Jackson). En ocasiones, los grupos podían ser hasta emblemas de un cambio político, y una canción suya, ser un himno para las personas que acometían los cambios, como el caso de Scorpions y su Winds of Change, inspirados en la caída del muro de Berlín. De la misma manera, se podía observar un curioso fenómeno. Los grupos de música, que pertenecían a géneros musicales que por tradición estaban en contra del sistema, habían sido engullidos por éste y sus reivindicaciones eran poco más que slogans al igual que sus actitud poses carentes de significado. Esto pasó ya a fines de la década de los 70 con el movimiento punk, como ya vimos en un artículo anterior, cuando la mayor parte de los grandes grupos de este tipo de música acabaron firmando grandes contratos con las discográficas ( caso de los Sex Pistols, Los Ramones... ). A fines de la década, el capitalismo triunfante empieza a mostrar su cara más mediática de muchas maneras, y una de ellas, era la música.

Sin embargo, en la música de los años 80, existía una curiosa dicotomía. Actualmente, cuando existen series que aluden a aquellos tiempos, se recrea la imagen de unos jóvenes ochenteros despreocupados, basados en el hedonismo y en la frivolidad. Esto es cierto, pero en parte. En los años 80, el desarrollo de la informática, y la tecnología en general, había cambiado todo, desde el proceso de grabación de la música hasta los propios instrumentos musicales. Apareció, en el aspecto puramente musical, el sintetizador, que por medio de un teclado, era capaz de reproducir casi cualquier sonido rivalizando incluso con los sonidos naturales. Por otro lado, se aplicaron los primeros ordenadores en los estudios de grabación de una manera mayoritaria, abandonándose el antiguo sistema de grabación en directo. Todo dio una sensación de futurismo, de una música autocomplaciente que empezaba a juguetear con aquellas músicas sintéticas. Curiosamente, este empleo de música “ enlatada “, como se la acusaba, nos podría plantear el siguiente silogismo. Es decir, capitalismo igual desarrollo de la tecnología igual a nueva música. ¿ Se conoce algún grupo del otro lado del Telón de Acero ?. Quizás, podría ser debido a esa falta de desarrollo tecnológico del que adoleció la URSS en los últimos años de su existencia. Así que, el mundo capitalista ganaba por una mano al soviético, que quedó anclado en los desastres como Chernobyl y con una población joven sin acceso a la música moderna y todo el mundo que conllevaba.Como decíamos al principio, esa nueva música era autocomplaciente y hedonista, apareciendo una nueva forma de pop o “ música popular “, en la que se incluían la música AOR ( “ Adult Oriented Rock “, caso de Génesis ), un género amable para los mayores que solía ser el favorito de las grandes cadenas musicales, o el Rock Progresivo ( Pink Floyd ). Ahora bien, la juventud europea, sobre todo inglesa (que fue la vanguardia de la música de aquella época), no era así en gran parte.

La Segunda Crisis de los Misiles a fines de los años 70 supuso la reanudación de la Guerra Fría en el mismo centro de Europa. Esa tensión se notó, en una juventud ( nos referimos principalmente a la inglesa ), que se encontraba en una situación precaria de empleo, con el nuevo capitalismo feroz que implantó Margaret Thatcher bien presente en sus vidas. El pesimismo prendió cuando el movimiento punk, que parecía haber sido un torrente que acabaría con las grandes discográficas y haría temblar los pilares de la sociedad, quedó muerto sin ningún tipo de repercusión, engullido por la mismas empresas de las que renegaban. El lema "No hay futuro" dio paso al nihilismo después de mucho tiempo a Europa, y se generó lo que fue la “ new wave “ o “ cold wave “: una apuesta insolidaria y apocalíptica, de un mundo al borde siempre del desastre nuclear que representaría una Tercera Guerra Mundial. En general, a este movimiento juvenil se le conoció como el “ post punk “. Algunos de los grupos musicales de esta época se volcaron a una revisión romántica del tiempo en el que vivían ( “ los nuevos románticos “, como Spandau Ballet o Duran Duran ), el “ ska “ ( The Police, el antiguo grupo de Sting ), el “ gótico “ ( con su vestimenta de luto riguroso y con grupos como The Cure, Bauhaus, The Sisters of Mercy como representantes )... Todos, como una diferente respuesta a unos tiempos, que en sus primeros compases de la década, se mostraban intranquilizadores.

Leed este fragmento representativo de estos tiempos convulsos en la música:
“Bono despertó en la cama de Breznev. No puede recordar dónde está[...] Intenta organizar sus pensamientos. Está en la cama de Breznev, en Berlín Este, hospedado en la casa de un diplomático comunista por un módico alquiler, porque los diplomáticos comunistas huyeron del país. De hecho, el país se ha ido con ellos. Él podía haber ido a dormir en un estado satélite soviético, pero ha despertado en la Alemania unificada. ¡ La Guerra Fría ha terminado ! El Muro ha caído [...].
U2 llegaron a Berlín ayer, para buscar inspiración y celebrar el final del mundo en el que ellos crecieron. El Muro de Berlín fue levantado cuando los miembros de U2 habían nacido.[...] Bono dijo a the Edge, Adam Clayton y Larry Mullen que era un gran momento para lanzarse a ellos. Era el momento de ir a Berlín y comenzar a hacer música para el nuevo mundo. Llegaron en el último vuelo a Alemania del Este antes de que ésta desapareciera.[...] El piloto británico estaba tan emocionado con el momento histórico que anunció que sobrevolarían la Strasse des Juni donde los alemanes del Este se estaban reuniendo y cantando sobre el muro roto... “.
Y la hermosa Winds of Change. Scorpions fue una de las grandes bandas de heavy metal durante los años 80. Famosos por construir grandes baladas para todos los públicos, en 1990, publicaron un disco llamado “ Crazy World “. En este álbum, estaba una de las grandes canciones de la banda, y también, el himno del cambio en 1989. Según parece ser, después de un concierto en agosto de 1989 en Moscú, el líder del grupo, Klaus Meine, compuso “ Winds of Change “ o “ Vientos de Cambio “, contagiado por el ansia de paz y de acabar con la Guerra Fría. Esta canción fue el himno del fin de la Guerra Fría, de tal manera, que Mihael Gorbachov invitó a la banda alemana al Kremlin para tocar en la Plaza Roja. Scorpions fue el primer grupo occidental en tocar música al otro lado del Telón de Acero, en 1988, con diez shows en Leningrado adelantando un nuevo tiempo de entendimiento y paz.

Por el río de Moscú
Bajo al Parque Gorky
Escuchando vientos nuevos
Verano al atardecer
Soldados al pasar
Escuchando vientos nuevos

Se achica el mundo más
Quién iba a creer
Que fuéramos tú y yo hermanos,
El futuro ya se ve
Se puede hasta tocar
Soplando con los vientos nuevos.

Llévame a la magia del momento
De la gloria
Donde los niños del mañana soñarán
Los cambios que vendrán

Recuerdos del ayer
Siento al recorrer
Antiguas calles del pasado
Por el río de Moscú
Bajo al Parque Gorky
Escuchando vientos nuevos.

Llévame a la magia del momento
De la gloria
Donde los niños del mañana soñarán
Los cambios que vendrán.

Llévame a la magia del momento
De la gloria
Donde los sueños y los niños cambiarán
A la Humanidad.

El viento hará sonar la campana de la libertad
Ya no hay tiempo que perder
Hay que girar hacia la paz
Canta con tu balalaika ya
Lo que mi guitarra quiere gritar

Llévame a la magia del momento
De la gloria
Donde los niños del mañana soñarán
A la Humanidad.

Iron Maiden y la Historia.

Supongo que a algunos de los lectores del blog les sorprenderá el título del artículo. ¿Iron Maiden en un blog de Historia? ¿De Clases? ¿Pero de qué estamos hablando?

Me parece lógico que se pueda pensar así, pero pido simplemente unos minutos de lectura para poder argumentar y explicar mi decisión de escribir esto. A lo largo de este curso, hemos ido desgranando las diversas formas de arte y los medios de expresión de este. Hemos analizado las obras de Kandinsky, Munch, Miguel Ángel... y de todas hemos ido sonsacando ese estremecimiento emocional que supone el arte. Pues bien, en la música, y no sólo la clásica, encontramos referentes artísticos.

Y es que Iron Maiden es uno de los grandes grupos del Heavy Metal de todos los tiempos, junto a Judas Priest o Black Sabbath, siendo aún hoy el grupo que más vende a nivel mundial y con una carrera larga y exitosa a sus espaldas. Pero mi objetivo no es hablar del estilo musical. Más bien, sobre cómo un género tan en ocasiones vilipendiado como el rock en general, puede sorprender (aunque sinceramente no sé por qué). Iron Maiden es uno de esos ejemplos.

Su cantante, Bruce Dickinson, aparte de ser piloto de aerolíneas comerciales, es historiador, especialista en Historia Antigua. Concretamente, Egipto. Y no sólo por ese detalle, sino porque además, Iron Maiden tiene grandes canciones que generalmente, se basan en hechos históricos o grandes personajes de la Historia.

Hoy presentaré algunas.

A comienzos de su carrera, Iron Maiden realizaron varias composiciones de regusto histórico. Mi favorita, la instrumental The Ides of March, ambientada en la profecía que anunció a César su próximo asesinato a manos de los senadores y su hijo adoptivo Bruto.

La más famosa de Iron Maiden: The Trooper, ambientada en las guerras imperialistas de fines del siglo XIX, concretamente, la campaña de Crimea en la que los británicos se enfrentaron a los rusos entre 1853-1856. El ritmo de la canción, al igual que la melodía de ésta, intentan representar el sonido del casco de los caballos a la carga y el de la corneta.

El caballo suda, con miedo corremos
El estallido poderoso de las armas Rusas
Mientras corremos entre la muralla humana
Los gritos de dolor de mis camaradas que caen

Esquivamos cuerpos muertos en el suelo
Los Rusos disparan otra carga
Estamos tan cerca, estamos tan lejos
No viviremos para pelear un día más

Perteneciente al mismo disco que The Trooper (Piece of Mind), observamos el tema inspirado en el mito de Ícaro: The Flight of Icarus.


En el disco "Powerslave", encontramos varias canciones de temática histórica. La ya comentada en un artículo que hice hace unos meses, llamada "Aces High", en honor a los pilotos de la RAF durante la batalla de Inglaterra, y por otro lado "Powerslave", referida al Antiguo Egipto y al poder de los Faraones.

En 1986, en el disco Somewhere in Time, encontramos una joyita deliciosa: Alexander The Great. Inicia con la voz de Filipo II hablando sobre su futuro a Alejandro y cómo prevalecerá sobre sus enemigos.


"Mi hijo; reclama por tí mismo otro reino,
Pues este que te he dejado es demasiado pequeño para tí"
(Rey Filipo de Macedonia -339 a.C.)

Cerca del este, en una parte de la antigua Grecia
En una antigua tierra llamada Macedonia
Nació un hijo de Felipe de Macedonia
La leyenda, su nombre era Alexandro

A la edad de 19 años se convirtió en el rey de Macedonia
Y prometió liberar a toda Asia Menor
Por el mar Egeo, en el año 334 a.C.
Derrotó completamente las legiones de Persia.

A comienzos de los años 90, el cantante Bruce Dickinson decidió realizar su carrera en solitario, entrando en el grupo un nuevo cantante Blaze Bayley. Sin embargo, eso no supuso cambios en la temática. Por ejemplo, en honor a la figura de William Wallace, Iron Maiden compuso la canción "The Clansman", un alegato al honor, a la sangre y a la libertad del hombre y su pueblo.

Así que como ahora vienen las vacaciones, os pido encarecidamente que dejéis de escuchar esa "música" llamada reguetón y veáis la música como una forma cultural que merece la pena más allá de ser bailable o no.

Música y arquitectura en Sevilla.

Fijáos el maravilloso conjunto de música y arquitectura que tuvo lugar en 1993 en Sevilla, en los Reales Alcázares.

Claude Debussy (1862-1918)

Nacido en el seno de una familia humilde (padre dueño de una tienda de loza y madre modista), el artista que os presento será uno de los grandes innovadores de la música de fines del siglo XIX y principios del XX: Claude Debussy.

Todo parecía indicar que este compositor no conseguiría lograr nada debido a sus orígenes populares, complicados aún más con el arresto de su padre durante la Comuna de Paris de 1871. Gracias a Emmanuel Chabrier, pudo acceder al Conservatorio de París, dando muestras de ser un gran pianista. Más tarde, ganó el Premio de Roma de piano en 1884, logran así el cacceso a dos años de estudios musicales en la capital de Italia.

Sin embargo, el joven Debussy añoraba el ambiente bohemio y cosmpolita de París, por lo que eran frecuentes sus viajes a París cada año. En una de esas visitas, asistió a un concierto de música oceánica de Java, donde cayó rendido ante la música no diatónica y pentatónica de Java, a la que añadió sus conocimiento de la obra de Wagner. A partir de ese momento, la obra de Debussy será un legado excelente de nueva música, de una música impresionista en la que lo importante no es la composición en su arquitectura musical, o por otra parte, la melodía como en el Romanticismo. Se juega con retazos de color, de la misma manera que el pintor impresionista con los trozos deshilachados que presentados al ojo humano configuran formas a una distancia concreta.

Sus obras más célebres serán Claro de Luna, Réverie, La Mer... También podemos encontrar muchos matices en sus composiciones que nos pueden recordar a las formas musicales del Extremo Oriente (como Japón y China), coincidentes con el fuerte impacto que supuso el descubrimiento del arte cerámico chino tras los conflictos del Opio en las colonias chinas de las potencias occidentales.

El 25 de Marzo de 1918, Debussy morirá de cáncer mientras París era bombardeada. Para siempre quedará su virtuosismo, que le llegó a realizar algunas de las partituras más complejas del piano (su instrumento favorito). Como anécodta, comentaros que con este instrumento tuvo una relación difícil, pues era normal que lo golpease enfurecido cuando él le pedía mucho más a lo que el piano podía ofrecerle por su diseño y características propias. Hoy día, los grandes concertistas de piano reconocen la importancia de Debussy, las dificultades técnicas de sus composiciones. Como otro apunte interesante, el Don Manuel de Falla compuso una obra de guitarra homenaje a Debussy.

Dead Can Dance.

Dead Can Dance es un grupo musical de los 80 formado por los músicos Brendan Perry y Lisa Gerard. Con el paso del tiempo, este grupo fue convirtiéndose en un referente de la vanguardia musical, que mezclaba instrumentos como sintetizadores propios de su época con otros más antiguos como el salterio.

Enigmático, misterioso, culto... ése es el legado musical de Dead Can Dance. Canciones que se nutren directamente del folklore africano (por ejemplo, digamos el disco Spiritchaser o Yulunga), otros del romanticismo gótico europeo (el magnífico Within the Realm of a Dying Sun), discos conceptuales del Renacimiento (The Serpent Egg) o el Medioevo (Aion). Siempre con la impronta de una música etérea, atemporal, con la figura de Lisa Gerard sobrevándola. Seguro que todos conocéis a Lisa Gerard, puesto que es casi imposible que nadie haya oído nunca la banda sonora de Gladiator y su voz femenina.

En este blog tengo algunas canciones puestas en el menú de la derecha. Si os gusta, podría pasaros algunas piezas para abrir boca. Será un placer compartir la maravilla artística de este grupo con vosotros.

Os pongo este directo de Lisa Gerard en solitario con la maravillosísima "The Host of Seraphim", que podéis escuchar en las películas "El Juego de Mr Ripley" o bien en la última película "The Mist" o "La Niebla".



O escuchad esta indescriptible canción que emociona desde los primeros acordes: Sanvean.