La Cultura de fines de la Guerra Fría: El Punk (I).

A finales de los años 60 y comienzos de los 70, el movimiento hippy, nacido entre la juventud de clase media (habitualmente adinerada) americana, había luchado contra el mundo establecido por los mayores. Inmerso en plena Guerra Fría, se abogaba por el fin de la guerra, del amor libre y la paz, y a su amparo, en el ámbito cultural, se fueron desarrollando rompedoras estéticas y propuestas artísticas que buscaban la perpetuación de esos nuevos ideales con la idea de buscar un mundo mejor.

Sin embargo, la década de los 70 que había arrancado la centuria con optimismo y una visión del mundo utópica, será espectadora de dos golpes severos que convertirán ese idealismo en algo muy contrario. Me refiero con esto a la Crisis del Petróleo de 1973, y al rebrote de la Crisis de los Misiles en el centro de Europa a fines de la década, renaciendo el espectro de la Guerra Nuclear en el mismo corazón europeo. Ambos sucesos históricos, darían al traste con gran parte de las aspiraciones hippies y lo que podría decirse, a nivel general, de la izquierda progresista.

¿Por qué? Principalmente, porque la Crisis del Petróleo afectó a las economías de los países desarrollados y porque la Crisis de los Misiles supondría un fuerte varapalo a la tendencia última de las administraciones americana y soviética de coexistencia pacífica, ya iniciada con Kennedy y Jruschev. La juventud europea, especialmente en Inglaterra, se verá arrastrada a una sociedad nueva, a una dinámica inédita, que la enfrentará con los presupuestos ideológicos de sus padres, por supuesto, o de sus hermanos mayores. El aumento del paro por el cierre de las empresas, la reconversión industrial dirigidas por las administraciones británicas y las nuevas políticas conservadoras retrataron un clima poco alentador para las aspiraciones de los jóvenes europeos de fines de los 70. No se tenía nada que ver con la visión familiar de los padres o el hippismo florido de los hermanos mayores,como dije antes. En esos momentos, el panorama era mucho más oscuro y poca cabida tenían sentimientos como los descritos.

Me refiero a que a mediados de los 70, y hasta fines de estos años, encontraremos un movimiento artístico y cultural iconoclasta y reivindicativo, inconformista y transgresor, como fue el movimiento Punk, conocido especialmente por su música, pero poco por lo que dicho movimiento, corto pero intenso en el tiempo, supuso. En el aspecto cultural, el movimiento punk se autoclasifica de decadente. Los jóvenes británicos se hacen cortes de pelo estrafalarios como crestas, se pintan los cabellos de colores chillones y estridentes, gustan de chupas de cuero y el metal en forma de alfileres y tachas y llevan mallas de cuadros rematándolo con piercings y botas militares. Ese impacto visual supuso un choque brutal con la rígida moral de la Inglaterra de Margaret Thatcher. Ideológicamente, el movimiento punk arranca del nihilismo más extremo, llevando las teorías de Nietzsche, Sartre o Camus a su vertiente más radical, renegando de todo por sistema y disfrutando con la destrucción de lo conocido, especialmente, el sistema.

La visión del mundo era apocalíptica, de ahí que uno de los principios más reconocidos del punk fuese "No Future" o "No hay futuro". Algo que se completa con la necesidad de inmediatez, del hacer las cosas en el momento, sin esperar a pensar ni en conciencias ni otro tipo de reducto moral: Just Do It (Simplemente Hazlo). La provocación y el desafío a lo políticamente correcto fueron otras de las bazas jugadas. Por ejemplo, Sid Vicious ("bajista" de Sex Pistols) gustaba de llevar simbología nazi, como camisetas y chapas, por el mero hecho de provocar al público y al espectador.

Musicalmente, la música punk no se caracterizó nunca por su virtuosismo o complejidad. De hecho, muchos de sus músicos no se jactaban de serlo, sino más bien de todo lo contrario: no tener ni idea de música. Circulaban clases muy rápidas y básicas (concordando con el carácter de inmediatez del movimiento) de cómo tocar la guitarra. Conociendo los acordes Do (C), Re (D) y Mi (E), alternando la progresión de éstos y tocando muy rápido, fuerte, sucio y ruidoso, tenías una canción. Esto era algo fascinante para la juventud de esos momentos. La música era algo accesible para todo el mundo, por lo que podríamos considerar que el Punk fue realmente el movimiento más democrático en cuanto a la música. Con que agarraras tu guitarra, encontrases un bajista y un batería, tenías suficiente. Puede que esto parezca algo raro, pero no perdáis de vista que hoy en día, muchos músicos influyentes y grandes arrancaron con el punk (Sting, de The Police, Elvis Costello...).



Los comienzos del movimiento, que yo voy a centrar en Inglaterra, presentan numerosos grupos. Algunos de ellos, sobrevivieron a sí mismos y a sus épocas y desarrollaron su carrera musical, otros directamente desaparecieron o bien dejaron la música. Generalmente, los Sex Pistols suelen ser el grupo emblemático del punk británico, quizás porque sus comienzos sí fueron rompedores con canciones como "God Save The Queen", que fue un auténtico golpe a la moral conservadora británica dirigida la institución monárquica, o la gran "Anarchy in the UK". Pero no olvidemos otras grandes formaciones, como The Clash,destacando su disco London Calling, y la canción del mismo título junto a "White Riot". Siouxsie and The Banshees (antes de ser icono post-punk la líder del grupo era habitual compañera de los Sex Pistols), The Stranglers, The Damned... serían otros nombres que tendríamos que recordar.



Sin embargo, no olvidemos que el punk era un movimiento que quizás, como otros rompedores del pasado como el futurismo u otras vanguardias, estaba condenado a desaparecer tan rápido como predicaba. Pronto, el sistema capitalista se percató de que la juventud de finales de los 70 estaba hastiada del rock and roll glam, de la música disco o por supuesto, de la música crooner. El Punk, bien canalizado, aunque en sus comienzos fuese difícil de conseguirlo por su iconoclastia, podía ser una gran fuente de ingresos. Y esto fue lo que ocurrió. Con la entrada de Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols que sustituyó a Glenn Matlock, vemos que el grupo se interesa ya más por la imagen y no tanto por otros aspectos más importantes. Desde Estados Unidos, "Los Ramones" apuestan por un punk combativo también, pero más desenfadado. The Clash, que en sus comienzos tuvieron una ideología algo indefinida, pudiendo ser vista desde la izquierda o la derecha, se decantaban hacia lo políticamente correcto y publicaban "Sandinista". Pronto, cuando los dólares caían como maná de los contratos de las discográficas, el Punk fue fagocitado por el capitalismo. Como ha solido hacer, el capitalismo engulló a su enemigo nuevamente, adoptándolo, adaptándose y finalmente, desvirtuarlo para que fuese más maleable.

Fue revelador el hecho de Siouxsie Sioux, líder de Siouxsie and The Banshees, declarase abiertamente en una entrevista para la BBC que si le ofrecían un contrato económicamente suculento, lo aceptaría y trabajaría siguiendo las directrices del mercado...

Por tanto,aunque el punk se siguió manteniendo hasta nuestros días, era evidente que había perdido toda su fuerza vital combativa. Hoy día sigue existiendo como una de las numerosas tribus urbanas que hay, pero ha quedado completamente marginado en el ámbito underground, que dicho sea de paso, es de dónde surgió el movimiento.

Múltiples preguntas podrían venir a nuestra mente. Yo formulo dos.

¿Hubiese el Punk prosperado si hubiese permanecido en el ámbito underground? ¿Fue necesaria la salida al exterior del movimiento que a la postre sirvió para ser engullido finalmente por el capitalismo?.

David contra Goliat, un ejemplo de iconografía.

Cuando se imparten clases de Arte, ya sea a lo largo de la Enseñanza Secundaria Obligatoria (ESO) o el Bachillerato (2º de Humanidades), los profesores encontramos una serie de temas artísticos que por su importancia, se repiten habitualmente en todas las épocas que enseñamos. Quizás, en el fondo, las temáticas ya de por sí suelen ser repetitivas enmarcadas en grandes categorías, como podrían ser la religiosa, profana, mitológica, cotidiana... siendo esto algo menos evidente en las iconografías recientes digamos, desde el siglo XIX hasta hoy.

Sin embargo, no podemos dejar escapar una oportunidad que se nos brinda a la hora de trabajar un objetivo didáctico que nos ponemos en nuestras programaciones al comienzo de curso. Me refiero a la comparación de obras de arte de semejanza temática que nos permiten poner frente a frente estilos y artistas diferentes, y a partir de ahí, sonsacar datos y ejemplificar a nuestros alumnos sobre las características artísticas de cada uno. Una muestra de lo que digo se encuentra en la archiconocidísima comparación "David" de Donatello contra "David" de Miguel Ángel. Esta especie de "duelo vs..." es muy útil, pero creo que podríamos avanzar más allá dotando a estas comparaciones de una óptica más amplia, rica y multidisciplinar (pintura, arquitectura o escultura entre sí).

Propongo lo siguiente. Tomemos el relato bíblico de David contra Goliat, en el que un pastor joven (David) se enfrentó a un enorme guerrero filisteo (Goliat), venciéndole usando el ingenio y una honda, arrojándole a la frente una piedra y hundiéndosela. Este mito tiene una lectura moral clara ejemplarizante: el humilde puede derrotar al más grande, subrayando así la importancia de la humildad. Pero...¿cómo han percibido los diferentes artistas, especialmente de los siglos XVI y XVII esta temática iconográfica?. A continuación, escojo algunas de las obras más claras, sin mencionar otras que por cuestión de tiempo, no puedo describir (algunos capiteles románicos describen el mito bíblico, al igual que otros pintores más modernos como Tiziano).

El David de Donatello (Quattrocentto)

En el caso del escultor del Quattrocento italiano Donatello, nos presenta a un joven grácil, esbelto casi andrógino, que tocado con el sombrero campestre de la Toscana, muestra su desafío a Goliat. Realizada en bronce, destacamos la serenidad y el equilibrio de la escultura, el sentido de una estética basada en la sencillez y la pulcritud, con el interés del artista en acentuar la fragilidad de la escultura y la belleza sobre cualquier otro aspecto. Citemos que existe otro ejemplar de David en mármol realizado por el mismo artista.

El David de Miguel Ángel. (Cinquecento)

La "terribilitá" de Miguel Ángel se percibe claramente en las formas recias y sólidas de su David. La interpretación del genio florentino era radicalmente diferente a la de Donatello, primando la sensación de que la escultura, a pesar de disponer de una composición y distribución corporal que indica sosiego, advierte de un peligro inminente en la forma en que el brazo izquierdo se encoge tensando toda la musculatura y sus tendones y la mirada desafiante del rostro. El trabajo sobre el mármol, el tratamiento de las calidades y el excelente pulimiento de las superficies contrasta con el trabajo en bronce de Donatello. Además, el abordaje de la musculatura de Miguel Ángel es más agresivo y grandilocuente que la suavidad de líneas y gracilidad de Donatello. Miguel Ángel no sólo trató el relato bíblico en piedra. También en pintura, como en los frescos de la Capilla Sixtina.

El David de Bernini (Barroco).

Realizado de nuevo en mármol, Gianbatista Bernini sigue la línea marcada por los genios previos a él, pero aporta novedades interesantes. En primer lugar, introduce en la temática los principios barrocos referidos a la expresividad y el dinamismo. Expresividad por cuanto el rostro de David está constreñido, concentrado y esforzándose en el lanzamiento de una honda que está cargando en esos instantes de tensión. Su cuerpo, que recuerda al David de Donatello en cuanto a la elegancia de su musculatura, está en tensión, y la diagonalidad que incita al movimiento lo encontramos en la disposición del eje tronco-cabeza-pierna izquierda y las posiciones de los brazos y las piernas respecto el giro que registra su torso.

"David vencedor de Goliath" de Michelangelo Merisi Il Caravaggio (Pintura Barroca)

Realizado en 1600, este lienzo de Caravaggio retoma la temática que estamos tratando trasladándola al campo pictórico. Aunque ya la trató en otras ocasiones ("David presentando la cabeza de Goliath"), en este caso, encontramos una continuación de todo lo anterior. El joven pastor ha cortado la cabeza del gigante y enreda sus cabellos para recogerlo como trofeo. Empleando el claroscuro, el artista nos invita a focalizar nuestra mirada sobre el horrible rostro de Goliath comparándola con la belleza de David. Este tipo de comparaciones eran muy del gusto barroco, por el hecho de contrastar dos sentimientos contrario, el de lo repulsivo y lo bello, estéticamente hablando.

"David y Goliath" por Pedro Pablo Rubens (Barroco flamenco).

En esta ocasión, la viveza de los colores aristocráticos de Rubens nos presenta a un temible David que amenaza con una espada cortar la cabeza del caído Goliath, mientras de fondo, en segundo plano, el ejército de Goliath corre por una ladera. Una composición llena de rapidez y dinamismo, con la figura de David poniendo un pie encima de la cabeza mientras sube sus brazos por encima de la cabeza mientras los ojos de Goliath le miran con furia.

"David" de Zurbarán.

El pintor sevillano apostó por un David que recuerda claramente a la picaresca española de aquel tiempo. Vestido por completo como si fuera un peregrino (cayado, sombrero de ala ancha, calabaza...) pone su pie vencedor sobre la cabeza cortada de Goliath, que recuerda bastante a la presentada por Caravaggio. La simplicidad y humildad de Donatello está pasada por la óptica del siglo XVII español.

El Futurismo (II)

Siguiendo con el tema que dejamos ayer en su primera parte, el futurismo, como quedó claro, fue una tendencia intelectual que proclamaba el desinterés e incluso desafección por lo pasado a favor de una inmediatez en el presente, tan fugaz como el amor por la rapidez y el vértigo que los futuristas tanto profesaban. Es por esto que dentro de algunos de sus proyectos se barajase la posibilidad de destruir la ciudad de Venecia para crear un puerto militar, arrasando todas las obras de arte existentes y refundándola con edificios del nuevo estilo arquitectónico. No solamente en Venecia. Otras ciudades fueron observadas de la misma forma por los ojos futuristas y sus principales representantes.

El Futurismo y el Fascismo.
Uno de los aspectos más controvertidos del futurismo consistió en sus devaneos con el fascismo de Benito Mussolini. Ciertamente, los presupuestos fundacionales que Marinetti presentó en su "Manifiesto futurista" coincidían claramente con los del fascismo. De hecho, el futurismo contempló la posibilidad de crear un nuevo partido político en Italia hasta que Marinetti conoció a Benito Mussolini en 1915. ¿Pero cuáles aspectos hicieron posible este acercamiento entre ideología y pensamiento?

a) Odio a la burguesía: el mundo actual, acomodado y acomodaticio, la concepción del mundo como un lugar donde el progreso y el desarrollo han quedado congelados por la consecución de los ideales burgueses, choca de frente con los ideales revolucionarios del futurismo, de la misma manera que la exaltación de los valores de acción y revolución del Fascismo frente a la decadente sociedad burguesa capitalista.

b) Odio al Parlamentarismo: las cámaras de representación no son más que formas derivadas del modo de vida burgués en cuanto a política se refiere. Lo importante, que hace coincidentes al fascismo y al futurismo, es la figura de un personaje que lleve a la sociedad hacia adelante.

c) Totalitarismo: el control total de la sociedad en todos los niveles (político, social, cultural y económico) que el fascismo predicará por medio de Benito Mussolini concordaba exactamente con la visión del futurismo, en el sentido de la insignificancia del individuo frente al Estado. Ejemplo de ello serían los proyectos urbanos ideados por Antonio Sant'elia, que se basaban en grandes edificaciones anónimas que harían desaparecer el paisaje y que harían a los individuos como meros elementos decorativos sin ningún tipo de paisaje.

Las relaciones de Mussolini y Marinetti fueron intensas. De hecho, el creador del futurismo integrará las listas del PNF (Partido Nacional Fascista), tomará parte en reuniones, conferencias y manifestaciones de éste, mientras que Benito Mussolini apoyaría al artista hasta el segundo congreso del PNF. A partir de ahí, la separación entre ambos fue evidente cuando el futuro Duce comenzó a percibir a los futuristas como una pandilla de autores peligrosos que podían hacer peligrar el estado moral del futuro Estado Fascista.

La Pintura Futurista.
Umberto Boccioni (1882-1916) se caracterizó por tomar del arte cubista algunos principios como la fragmentación de la realidad existente, arrancándolo de cualquier forma de contextualización espacio temporal y centrándose exclusivamente en las formas. Sin embargo, añadió lo que podríamos considerar principios propiamente futuristas: dinamismo (de esto proceden sus obras "Dinamismo de un jugador de fútbol" o "Dinamismo de un ciclista") e interés por el movimiento. De esta forma, se pueden apreciar en sus obras elementos pictóricos que por su distribución, contribuyen a la sensación de movimiento. Esto también podríamos comprobarlo en su obra "Elasticidad".

Giacomo Balla (1874-1958) tomará una vertiente más impresionista en su trabajo, destacando por un puntillismo que de nuevo, persigue la sensación de movimiento. Así aparecen obras como "Paseo del perro", "El Vuelo de la Golondrina" o "La niña en el balcón".

La Arquitectura futurista.
Esta disciplina artística fue la gran asignatura pendiente del movimiento futurista, y desde un principio, Marinetti se esforzó por buscar arquitectos procedentes de las nuevas escuelas de diseño que lograsen aplicar los principios del futurismo a las construcciones. Especialmente, el urbanismo fue el tema estrella que fue revisado por diferentes arquitectos técnicos.

Destacan aquí Antonio Sant'Elia (1888-1916) y Mario Chiattone (1891-1957). En el caso del primero, percibía la ciudad como un organismo que evolucionaba en función de las generaciones que la habitaban, de sus gustos y necesidades. Ese desarrollo entroncaba a la perfección con la idea futurista del desarrollo tecnológico aplicado a la vida cotidiana, como triunfo de los tiempos modernos. Podríamos también decir que Sant'Elia concebía la ciudad como nosotros hoy día pensamos que debería ser la ciudad del futuro: pasarelas volantes metálicas que comunicarían los edificios entre sí a diferentes alturas, niveles y niveles de subsuelo desde cuyas profundidades arrancarían las estructuras de altos rascacielos de hormigón y acero... En resumidas cuentas, en la película "Metrópolis" encontraríamos un buen ejemplo del modelo de ciudad futurista. Mario Chiattone, por su parte, apuntala las ideas de Sant'Elia, ahondando en los aspectos apocalípticos de estas ciudades futuristas que eran eminentemente, deshumanizadoras.

Escultura Futurista.
En este caso, es curioso ver la unión entre la plástica pictórica y escultórica que se esbozó en el futurismo. Boccioni y Balla aplicarán sobre los materiales de escultura la intención de que partiendo de un núcleo, dispersar las formas hacia el espacio, rompiendo las líneas envuelven la escultura recreando la sensación de movimiento en el espacio. En este sentido, citemos la obra de Boccioni "Formas Únicas de Continuidad en el Espacio".

El Futurismo (I)

Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria

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Esta declaración de principios que quizás podría escandalizarnos hoy día (si es que algo ya nos puede escandalizar en estos tiempos) no es producto de un artista contemporáneo en una "performance" o un slogan publicitario. Es un fragmento del Manifiesto Futurista de Filippo Tomasso Marineti, poeta y fundador del Futurismo, una nueva corriente intelectual que sacudirá Europa justo antes de que se desatase la Primera Guerra Mundial, y que se diversificará a través de varias disciplinas, quedando un legado importante sobre todo en el Arte. Un controvertido legado, sacudido de polémicas, flirteos con el primer fascismo de Benito Mussolini, elogios a la guerra y repleto de desafíos a la tradición y la cultura europeas hasta el siglo XX nos espera.

Características generales del Futurismo.

a) Fascinación por el movimiento: el siglo XX supuso la consagración de la tecnología, la industria y el desarrollo material que hoy en día conocemos. Los primeros coches de fines del siglo XIX (como el modelo T de Ford) han experimentado un gran avance y en las calles de las ciudades podemos encontrar cada vez un mayor número de esta forma de transporte. Los ferrocarriles y sus vías férreas son todavía el mejor medio de transporte de largas distancias existente. Ambos, el coche y el ferrocarril, basaron su éxito en una máxima que repito a menudo a mis alumnos: más más en menos menos (más rápido, más producción, con menos tiempo, menos costes). ¿Cómo se consigue eso? Con la velocidad. La velocidad trajo consigo una nueva manera de percibir la vida, haciéndola más rauda y menos dada a la reflexión y a la contemplación. Es por esto, que sobre todo en el campo artístico, el autor futurista busque el movimiento más que la forma, el dibujo, el color u otros elementos artísticos.

b) Rupturismo con lo anterior: el arte griego, la monumental Venecia... fueron objetivo de las iras (tanto teóricas como en algunos casos prácticas) de los futuristas. En un tiempo como el siglo XX, ese arte no aporta nada, no tiene nada que ver con la realidad existente y es un lastre que ancla el desarrollo y el progreso con conceptos anquilosados. Es por tanto en este caso el Futurismo un pensamiento revolucionario.

c) Gusto por la maquinaria: la maquinaria es fundamental, y para un artista futurista, un automóvil es la obra de arte perfecta, pues es el cúlmen de la tecnología, el conocimiento científico y los tiempos modernos.

d) Elogio de valores jóvenes: la acción y el vértigo de ésta, la música, la cultura de la sociedad de masas... son valores que encajan a la perfección con la de una nueva juventud que Marinetti se siente identificado y propugna que hay que perseguir. El carácter del poeta italiano era radical y provocador, en ocasiones generando problemas y altercados por dicho carácter. Habitualmente, los futuristas se reunían en las Veladas Futuristas, en la que artistas y profesionales de diferentes disciplinas se reunían para avanzar los presupuestos futuristas.

e) Nueva plástica y lenguaje artístico: Derivando desde el Cubismo, el Futurismo busca el desarrollo de un lenguaje que sirva para estudiar y controlar el movimiento de las figuras, creando nuevas formas o bien, empleando otras anteriores. Aunque analizaremos a varios autores en el segundo artículo dedicado al Futurismo, citemos por ejemplo a Giacomo Balla y su "Niña Corriendo por el Balcón", en el que la figura de la niña se limita a manchas de color en forma de puntos que mediante una lectura impresionista de la obra, muestra una escena en movimiento. Sin embargo, Umberto Boccioni en "El Futbolista" trabaja mediante técnicas cercanas al cubismo el movimiento de un futbolista corriendo a punto de disparar.

En el próximo artículo, trabajaremos en mayor profundidad a los autores más importantes y analizaremos la vida de este movimiento intelectual de principios del siglo XX.

Barcelona medieval (II)

Barcelona medieval (I)

Comparativa del David de Donatello y el David de Miguel Ángel

¿Qué os sugiere cada una de estas imágenes?. Os animo a que digáis vuestras sensaciones y opiniones durante estos próximos días. Comom podréis comprobar, la temática es parecida, pero ha sido enfocada desde diferentes puntos de vista artísticos.

El Renacimiento (I).

Con este nuevo artículo, puedo dar por comenzado el tema del Renacimiento. Os recomiendo a todos los visitantes que os paséis por aquí a menudo, independientemente de que seais alumn@s de mi curso de Historia del Arte, de cualquier otra de las materias de las que doy clases o personas interesadas en la cultura en general.

En el caso del Renacimiento Italiano, que será el protagonista de las clases y los artículos que van a versar sobre Historia del Arte próximamente, conviene precisar dos épocas: Quatrocento (siglo XV) y Cinquecento (siglo XVI). Pero anteriormente, existe el Trecento, en el siglo XIV, en el que encontraremos artistas primitivos italianos que van a presagiar los nuevos tiempos, descollando Giotto di Bondone, del que nos ocuparemos ampliamente en un próximo artículo.

La pregunta sería... ¿qué es el Renacimiento?. La respuesta es muy sencilla, si la tomamos desde un punto de vista puramente etimológico. Acuñado por Giorgio il Vasari como Rinascitá, el Renacimiento significa volver a nacer... pero volver a nacer, ¿qué?. La cultura clásica, reflejada por Roma y Grecia. Clásico significa calidad, modelo que seguir, y por tanto, desde el Renacimiento se persigue una vuelta a los cánones clásicos de belleza, armonía y equilibrio. Pero no debemos olvidar, por otra parte, que el Renacimiento también va a aportar aspectos novedosos, reinterpretaciones, nuevas técnicas artísticas, nuevos lenguajes formales y compositivos, que van a redundar en una mayor profundidad del trabajo artístico. Es en el Renacimiento donde vamos a encontrar las grandes figuras de la pintura universal: Sandro Botticelli, Rafael Sanzio, Miguel Ángel, Tiziano, Donatello, Brunelleschi, Leon Batista Alberdi, Sangallo, Leonardo Da Vinci (podéis ver su autorretrato a la derecha)...

El Renacimiento no debe ser enfocado solamente desde una óptica artística si queremos comprenderlo realmente. Coincide históricamente con una época de expansión económica en las ciudades italianas, de entre las que va a destacar con fuerza Florencia, que podríamos clasificar como la capital del Renacimiento. A fines del siglo XIV, las ciudades italianas tienen gobiernos propios, con sus propias instituciones y otros elementos que las hacen plenamente independientes entre sí (como la moneda, en el caso florentino, con el famoso florín). Como denunciaba Nicolás Maquiavelo, esa falta de unión entre las ciudades italianas las haría vulnerables a los grandes poderes que estaban despertando en Francia o España, pero, mientras tanto, la burguesía italiana, sobre todo en Florencia, encontraría una forma interesante de unificar el cristianismo con las prácticas bancarias, que será la clave del éxito. En ese sentido, los jóvenes burgueses italianos estudiaban técnicas de venta comerciales, y veneraban así al "Dios burgués"*, mientras que por otro lado, sus relaciones con Dios se basaban en la financiación de obras de arte y las limosnas. Conviene precisar que no todas las ciudades italianas se vieron envueltas en el auge renacentista, y que sólo fueron unas pocas ciudades las protagonistas, destacando Florencia, Siena o Roma.

A tenor de esto último, tenemos que mencionar algo fundamental para que el arte renacentista existiese tal y como lo comprendemos hoy día: la figura del Mecenas. El mecenas era una persona con un nivel de ingresos suficiente como para permitirse financiar a artistas mientras realizaban sus obras, corriendo con todos los gastos que se generasen. De esta manera, el mecenas lograba prestigio y renombre con el éxito de sus protegidos, y cuantos más artistas de renombre estuviesen dentro de su nómina, mayor sería la trascendencia del mecenas. Mecenas para la historia han sido muchos y variados, pero nos referiremos concretamente a los que marcaron la pauta a seguir: los Médicis de Florencia. Cosme I o Lorenzo "El Magnífico" de Médicis se ocuparán de fundar Academias (al puro estilo platónico, si os dáis cuenta), donde literatos, músicos, poetas, artistas... se reunían para debatir sobre sus disciplinas. Así por ejemplo, de entre estas Academias, destaca la Academia Platónica de Marsilio Ficino, quien agradeció a Lorenzo de Médicis el haber devuelto la luz a las disciplinas que os he descrito antes. A vuestra derecha, el Sepulcro de Lorenzo de Médicis, que representa a Lorenzo el Magnífico pensativo flanqueado más abajo por el Pensamiento y la Aurora. Su autor: Miguel Ángel.


El concepto de Genio que hoy en día poseemos en nuestra sociedad viene directamente de estos tiempos de los que estamos hablando. Un genio es una persona con una mayor capacidad que las demás para destacar en algún tipo de disciplina. En el Renacimiento, encontraremos artistas totales, verdaderos genios que en ocasiones no se van a circunscribir a la pintura, a la escultura o a la arquitectura, sino a todas a la vez o incluso a otras más. Ejemplos tenemos sobrados. Leonardo Da Vinci aparte de su "Dama del Armiño", "Santa María de las Cuevas", "La Gioconda" o "La última Cena" era un avezado ingeniero e inventor que preludió máquinas como el avión o el tanque. Otro, su gran rival, Miguel Ángel, es un Genio Total, un maestro indiscutible en todas las disciplinas a las que se enfrentó, especialmente en la escultura. Desde replantear perfectamente el diseño inicial de la Basílica de San Pedro de su otro gran rival Donato Bramante a la muerte de éste, hasta pintar la Capilla Sixtina rematándola con "El Juicio Final" o crear la maravilla "La Pietá". Tanto en un caso como en otro, podemos ver que ambos artistas obedecen al nuevo concepto ideal del "caballero renacentista humanista": un perfecto dilettante que era un auténtico estudioso ávido de conocimiento y sabiduría.

NOTASEn el vídeo, cuando se refiere a Santa María de las Flores, el locutor dice que es una bóveda. No, es una cúpula. La bóveda es el espacio cubierto por una sucesión de arcos. En cuanto a las fotografías, adelanto mis agradecimientos a Alba C y María C por sus aportaciones.

Arte Gótico (V) El Arte Flamenco: El Matrimonio Arnolfini.

Dedicado a A.C.Tú sabes quién eres.Siempre supiste lo mucho que me gustaba el Arte,bajo la noche adornada con broches de estrellas.
Realizada con la técnica del óleo, técnica revolucionaria desarrollada a fines del siglo XC, "Matrimonio Arnolfini" de Jan Van Eych es una buena muestra de los nuevos detalles técnicos que permiten al artista reflejar mejor la luz y su incidencia, creando así diferentes texturas y gradaciones en el color de los objetos representados en la obra. En el caso de Van Eyck, el óleo no fue solamente una forma de lograr texturas que nunca antes se habían logrado apreciar, sino de dar un nuevo lustre a otras muy habituales y distintas entre sí. Por ejemplo, si apreciamos la superficie pulida del espejo con la de la lámpara o la túnica de terciopelo del burgués vemos que casi casi, se roza una perfección fotográfica (casi 500 años antes de la invención de la fotografía).

Aunque podría detenerme en describir la maravillosa manera del autor de representar las texturas del terciopelo o los pliegues a través de su claroscuro, "El Matrimonio Arnolfini" tiene una fuerte simbología, a pesar de su palpable realismo. Fijémonos en:
-El lecho, que representa el matrimonio.
-Las naranjas el fruto de la fertilidad que se le desea a la pareja.
-La talla del remate de la silla junto a la cama representa a Santa Margarita (patrona de las embarazadas parturientas).
- En el espejo, si nos fijamos, aparecen dos personajes, que son los testigos de la boda. Según algunos especialistas, podría ser que uno de estos fuese el mismo pintor, que dejó firmado "Johannes van Eyck fuit hic" (Jan Van Eyck estuvo aquí).
- El perrito que encontramos en primer plano representa la riqueza del matrimonio. En esos tiempos, tener un perro de tan pequeñas dimensiones es una muestra de que sus dueños pueden permitirse alimentar un animal que no tiene una función clara (en el caso de un perro, se espera que sea guardián o ataque).
- Las zuecos típicos de la zona representan la comodidad del hogar.
- El ventanal muestra que este matrimonio es bien avenido, ya que disponen del lujo de tener cristales en las ventanas (algo muy caro).
- La vela que encontramos encendida, (la única en toda la lámpara) representa a la Fe y su llama, que preside este matrimonio, dándole la bendición de Dios.

Además, estamos asistiendo a una boda propia de antes de la Reforma del Concilio de Trento, puesto que antes de esa fecha, los matrimonios podían realizarse sin la presencia de un sacerdote.

Por todos estos elementos, "El Matrimonio Arnolfini" es una delicia para ser analizado desde un punto de visto iconográfico e iconológico.

Disfrutadlo. Y os recomiendo que visitéis esta dirección: http://www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/gotico/gotico_del_norte.htm

Arte Gótico (IV). El Retablo de Santa María de la Sede de Sevilla.

Si seguimos el Diccionario de Términos de Arte, de Fatás y Borrás, podremos estudiar qué significa retablo:

"Obra de arte que cubre el muro situado tras el altar, hecha sobre madera, piedra o metal [...] su forma varió a lo largo de los siglos, pero suele tener la siguiente disposición: a modo de pedestal, un banco o predela, que puede ser doble. Verticalmente, podemos observar las calles que pueden estar divididas entre sí por entrecalles. Si una de estas calles sobresale en la parte superior del retablo se le conoce como "ático". Horizontalmente, encontramos los pisos o cuerpos. Para proteger la obra de arte, se encuentra enmarcada por un guardapolvos. Mediante unos goznes laterales, los retablos podían ser recogidos, siendo también decorados en su exterior".Adaptación.

De madera policromada, con unas dimensiones de 25,80 metros por 18 metros y situado en el Altar Mayor de la Catedral de Sevilla, este retablo proyectado por Pieter Dancart y continuado por el Maestre Marco y los hermanos Alejo y Jorge Fernández, posee tres partes independientes, que fueron conjuntándose en los siglos XV y XVI. El retablo de Santa María de la Sede es el más grande de toda la Cristiandad en su época, y un magnífico ejemplar del trabajo en madera. La presencia de Dancart en España se explica por medio de la expansión en el siglo XV de muchos artistas flamencos, que procedentes de ciudades como Malinas, Amberes o Bruselas llegan a la península con ánimo de hacer fortuna.

Podemos destacar varias partes: el paño central, la viga de imaginería que lo corona y las alas laterales. La iconografía que se recoge en este retablo se refiere a la Historia de la Salvación, distribuida en cuarenta y tres relieves y rematado por un Calvario del siglo XIII.

En 1401, el Cabildo Catedralicio de Sevilla expresó su voluntad de realizar una catedral que "que los que lo vieren...nos tuvieren por locos". Si el Retablo Mayor de Santa María de la Sede es así, imaginad como debe ser la Catedral, a la cual os animo visitar.

Arte gótico (III) La Catedral de Saint Denis.

El arte gótico tiene una periodización que, salvando todos los problemas lógicos a la hora de establecer una división cronológica, parte del año 1150. A este período se le suele conocer como período de transición, como el comienzo del viaje que aún estando en los dominios del románico tardío, ya presagia la llegada de nuevos elementos artísticos del gótico.

Desde el punto de vista del arquitecto, el arte gótico es fácilmente caracterizable por tres elementos: arco apuntado, arbotantes (rematados en su unión con el contrafuerte mediante pináculos) y bóveda de aristas. Pero no debemos caer en el error de pensar que desde un primer momento, los arquitectos medievales supieron perfectamente cómo caracterizar sus edificios. Ni mucho menos. Fue un proceso de ensayo y error, de prueba de nuevas apuestas constructivas.

Aunque se puede confundir con un arquitecto, la figura del Abad Suger de Saint-Denis es fundamental para poder explicar los orígenes del gótico, ya que en la iglesia de Saint-Denis (que levantará en las inmediaciones de París), podemos observar el talento innato de este patrocinador a la hora de escoger qué arquitectos se involucrarían en la realización del edificio sagrado. Bajo su dirección, la iglesia de Saint Denis sufrió varias remodelaciones. La primera, la sustitución de la girola de la cabecera, de origen carolingio, por la creación de un nuevo coro con deambulatorio (coro que no ha llegado hasta nosotros por una remodelación realizada en el siglo XIII) y la existencia de capillas radiales. Por otra parte, en el extremo oriental de la igueslai, se apostó por el derribo de todo tipo de estructuras internas para conseguir una mayor amplitud, y en el exterior, se simplificaron las fomras. Gracias al empleo del arco ojival, todas estas reformas pudieron ser llevadas a cabo.

De esta manera, gracias al interés del Abad Suger, Saint Denis se conformó como la única obra de referencia de este período inicial de formación del Gótico, siendo modelo para otras edificaciones como la Notre Dame de Paris.

Aquí tenéis una reconstrucción de la planta de la iglesia en tiempos de Suger.

El Arte Gótico (II)

Hasta nosotros ha llegado la palabra "gótico" para referirnos concretamente a un aspecto de la literatura y de plasticidad que nos recuerda a la oscuridad, ambientes tétricos y siniestros. Sin embargo, el arte gótico es un arte donde la luz tiene una enorme importancia, debido a que Dios es la luz, y la luz es símbolo de Dios. Por eso, se busca que en el interior de los edificios, como las catedrales, la luz ocupe todo el espacio y de ahí, por tanto, la necesidad de realizar en los muros grandes secciones de vidrieras que permiten un juego de luces de diferentes colores que sorprende y maravilla al creyente. Es por esto por lo que quizás, la acepción de gótico que hoy en día tenemos en mente no sea tan coincidente con su sentido medieval originario.

¿Por qué? Los historiadores del Arte italianos (Giorgio Il Vasari, para más señas), consideraron todo arte alejado de los modelos clásicos como artes brutos, propios de pueblos góticos que arrasaron la civilización romana en los siglos V y VI d.C. Nos referimos por góticos a los pueblos visigodo (Alarico, quien asoló Roma por primera vez desde los primeros tiempos en lo que lo hicieron los galos) y ostrogodo (Teodorico). Este arte, para los cánones italianos, era un arte soez, basto, marcado por grandes elementos ajenos a la armonía y la perfección, recargado y por supuesto, carente de elegancia. De la misma manera que hoy en día cuando decimos que algo es "medieval", dándole un significado peyorativo, en la Historia del Arte, durante mucho tiempo, "gótico" sería empleado para aquellos estilos alejados del clásico.

Pasado el tiempo, en el siglo XIX, coincidiendo con el desarrollo de los nacionalismos y las esencias de los pueblos, los historiadores románticos se interesaron muchísimo por el arte gótico. De hecho, podríamos citar a Caspar Friedrich, pintor romántico alemán, cuya obra más celebre, "Cementerio Nevado", está protagonizada por un inmenso arco ojival que domina la composición.

El Gótico supone novedades en todas las disciplinas artísticas, sin las cuales, es muy posible que el Renacimiento no se habría desarrollado de la manera en que lo hizo. Es decir, observando las pinturas de Giotto o los primeros Flamencos, podríamos observar cómo se están anunciando técnicas pictóricas que tendrán una importancia capital en los tiempos posteriores, siempre hacia un perfeccionamiento. O, en el campo de la arquitectura, podremos observar cómo se emplean razonamientos matemáticos que acercarán a los maestros arquitectos a los principios matemáticos y físicos que después serán todavía estudiados hoy día en las Facultades de Arquitectura. No quiere decir esto que en el Gótico encontremos el cúlmen de las disciplinas, pero sí podríamos decir que es en este estilo artístico donde se ponen en juego numerosas técnicas sin las cuales la Historia del Arte Occidental no sería la misma.

El Gótico es un arte occidental, que desarrolló sobre las zonas donde anteriormente el románico había tenido una gran difusión, y que amplió sus dominios incluso en zonas menos receptivas para el Románico. Incluso en la siempre difícil Italia para estilos ajenos a este país, podremos encontrar presencia como las Catedrales magníficas de Siena o de Milán. En España, observaremos las catedrales de Barcelona, Burgos, León e incluso la de Sevilla.

En la próxima entrega de arte gótico, analizaremos la época histórica y el significado de este estilo artístico.

Arte Gótico (I)

Mañana comenzaremos a estudiar, a aproximarnos al Arte Gótico. He encontrado este vídeo en Youtube que puede servir para abrir boca y conocer los primeros aspectos artísticos de este estilo tan especial y cautivador.

El Arte Románico (II). La Biblia de Piedra.

Uno de los padres de la Iglesia, y fundamental en la consolidación y prestigio de la Iglesia Católica de Roma en los tiempos medievales, San Gregorio Magno, dejó prescrito que era necesario que los creyentes, a falta de saber leer, pudieran conocer los Hechos Sagrados mediante la visión de escenas, mediante el arte. Esta función didáctica y utilitaria del arte, será la clave para explicar la enorme trascendencia que van a tener los relieves y las pinturas absidiales en la iconografía y la iconología románicas. Es por esto que San Gregorio acuñó la expresión "Biblias de Piedra".

El Arte románico se basa principalmente en ser fuertemente visual y religioso, mediante el empleo de un lenguaje plástico y simbólico que llegue rápidamente al espectador y que sin muchas complicaciones, le haga entender los pasajes más relevante de la Biblia.

No me adentraré en analizar las características artísticas propias de la escultura románica (geometrismo, falta de naturalismo, composiciones simples, con falta de proporcionalidad y por supuesto, una entrega por completa a la interpretación del hecho artístico que a la representación), sino más bien, a cómo esta disciplina artística cumple un valor social. Fijémosnos en este detalle de un relieve del Monasterio de Silos en Burgos. Representa el momento en que Santo Tomás necesita para creer introducir sus dedos en la llaga de Jesucristo. Lo importante no es la plasticidad de la composición, sino el mensaje que llega al fiel: el valor de la Fe.

Observemos otro mensaje importante para el fiel al introducirse en el suelo sagrado de la Iglesia por medio de un pórtico. En este caso, el Pórtico de la Gloria de Santiago de Compostela. En el tímpano, Dios, encerrado en su mandorla mística de perfección, es rodeado por el Tetramorfos (San Juan, el Águila; San Lucas, el toro; San Marcos, el León y San Mateos el Hombre). Un Dios que imparte con su mano derecha sobre el fiel que cruza bajo el dintel, custodiado en la primera arquivolta por los 24 Doctores del Apocalipsis. Así mismo, el parteluz aparece con una representación del Apóstol, y en las jambas, podríamos afinar y apreciar los primeros intentos góticos escultóricos en la finura, gracia y naturalismo de algunas de sus figuras. Fijaos en la gran cantidad de información que se puede apreciar simplemente en un tímpano de la puerta de una Iglesia. La razón: hacer llegar a las gentes iletradas del Medievo el mensaje de Dios. Como nota anecdótica, deciros que los Doctores del Apocalipsis llevan en las manos instrumentos musicales que diversos grupos de musicólogos han observado para realizar esos mismos instrumentos sobre esas pistas de piedra que nos ha dado el arte románico.

Mirad este vídeo.

El Arte Románico. Introducción.

Esta semana que viene entraremos en el mundo románico, iniciando así la saga de seis temas que nos llevará lo que queda de trimestre y el próximo, referidos a los estilos artísticos europeos (medievales con el románico y el gótico, Renacimiento y Barroco, en sus generalidades y referidos a España). A vuestra derecha, "Maiestas Domini con Tetramorfos", en el ábside de la iglesia de San Vicente de Tahull.

¿Qué es el Románico? En un principio, se pensó que este estilo artístico procedía de Roma, debido a algunas similitudes estructurales en los edificios de la Alta Edad Media y otros de la época bajo imperial romana. Sin embargo, esto no es así, ya que los estudios realizados por especialistas indican que comparativamente, los monumentos y obras arquitectónicas llegadas a nosotros desde entonces representan un bajo porcentaje. El Arte Románico fue obra simultánea en diferentes países, como Alemania, Italia, Francia y España, por lo que no tiene una autoría nacional concreta. Es muy complicado definir el románico por características que sean comunes a todos los países, y aunque hay algunos patrones que se repiten (en la arquitectura, pintura y escultura), conviene precisar que dentro de las influencias del Arte Románico podemos observar no solamente arte romano, sino otras como el paleocristiano, el bizantino, carolingio, otoniano o incluso islámico (esto último sobre todo en el caso español y el arte románico-mudéjar sirviendo como ejemplo). La ilustración es una imagen del "Beato de Liébana", manuscrito iluminado con miniaturas que comenta el Apocalipsis.

El contexto histórico al que se refiere es el de la sociedad del año 1000 y el ambiente apocalíptico en el que se vio inmersa Europa por entonces. Según las Sagradas Escrituras, mil años después de la muerte de Cristo, Satán volvería a reinar en la Tierra y sería el final de los tiempos. Ese sentimiento pesará como una losa sobre la conciencia de los hombres medievales, condicionando su percepción de la realidad, y evidentemente, teniendo una influencia indudable en su concepción del arte. Posteriormente a estos tiempos, fines del siglo XI, el triunfo de la Iglesia Católica mediante la expansión de las órdenes monacales tales como Cluny (monjes negros), los Cartujos de San Bruno o los cistercienses (monjes blancos) con su abad San Bernardo de Claravall, o las Cruzadas, permitirán el desarrollo del románico hasta que finalmente sea engullido por su sucesor: el Arte Gótico. Sin embargo, la importancia de la expansión monástica no quiere decir que la creación arquitectónica del románico sea fundamentalmente monástica, ya que existen edificaciones defensivas como castillos o fortalezas que siguen la inspiración románica. La imagen que podéis observar es el interior de la bóveda de Santa Maria de Vézelay.

Ara Pacis (El Altar de la Paz)

Con motivo de su éxito como imperio, el pueblo romano inauguró en el año 13 a.C la construcción del Ara Pacis o Altar de la Paz. Terminado en el 9 a.C,su significado era evidente: tras una época de duras guerras y violencia, el Imperio Romano traía la paz al mundo.

En el Ara Pacis podemos observar la Suovotaurilia, esto es, el sacrificio de un toro, un carnero y un cerdo, mediante el oficio de Augusto como Pontifex Maximus (máximo cargo religioso en Roma), acompañado de sacerdotes y vírgenes. En las esquinas del edificio, podemos observar grifos decorativos y ramos de acanto, con influencias claras procedentes de los artistas de Asia Menor (Pérgamo). Así mismo, en los laterales,divididos a su vez en dos partes. En la parte superior, guirnaldas colgantes y bucráneos, mientras que en la parte inferior destacan representaciones de plantas y flores habitadas por animales. Especialemente relevante, el animal de Apolo, el Cisne. Por encima de esta banda, encontramos el desfile de la procesión ceremonial encabezada por Augusto, con un innegable regusto del Friso de las Panateneas del Partenón de Atenas (s.V a.C), ya que las figuras poseen un gran naturalismo y realismo, interrelacionándose entre ellas, pero con la diferencia respecto del Friso de Panataneas en que hay un segundo nivel, al fondo, de figuras.

Así mismo, en la parte exterior situadas en las puertas de acceso, se encuentran realizados bellos relieves de factura neoática (helenismo), donde destacan el Sacrificio de Eneas frente a un templo de Penates o el soberbio "Italia".

Me ocuparé en concreto de este relieve. Representa la paz en el mundo que ha traído Roma. La Madre Italia o Madre Tierra está escoltada por personificaciones del Agua y del Aire (serpiente marina y cisne, serían los animales que acompañan a dichas personificaciones). La Madre Italia tiene en su regazo a dos hijos, que juegan con la abundancia de la fertilidad que su madre tiene depositado encima de su vientre. El perfil de Italia es de una factura impecable, y el juego de sus paños mojados nos remite claramente a la maestría de tiempos clásicos, aunque a la par, tiene reminisciencias de la Escuela Neoática del helenismo. Si nos fijamos en la parte inferior, el Toro y la Cabra demuestran al espectador la prolifidad de Italia, que no solamente es rica agrícolamente, sino también en su ganadería.

Por tanto, es el Ara Pacis una buena muestra del pragmatismo romano al servicio de la propaganda por medio de un monumento conmemorativo y de connotaciones religiosas, así como una respresentación clara del concepto romano de asimilar lo bueno que podía aportar a Roma lo interesante de otras culturas. Por ejemplo, las influencias helénicas son notorias, al igual que algunos aspectos orientalizantes propios de los contactos en la zona de Oriente Medio.

La Arquitectura Islámica en España.

Es necesario, antes de comentar la arquitectura islámica a través de los edificios más importantes que han llegado hasta nosotros, describir cuáles son sus aspectos técnicos.

La arquitectura islámica se caracteriza por ser una miscelánea de diversos estilos artísticos anteriores, tamizados y pasados por la óptica particular del Islam, con especial relevancia en la cuestión decorativa. Así, podemos observar en la arquitectura islámica la presencia de elementos sustentantes de época romana (por ejemplo, las columnas de las arquerías de la Mezquita de Córdoba), uso de elementos sustentados como las dovelas bicolores rojo y blanca (influencia bizantino), arcos de medio punto y de herradura (éste último herencia visigoda) o algunos elementos más de origen bizantino, como los capiteles en avispero que podemos observar en el palacio de Medina Azahara muy semajante a otros de San Vital de Rávena.

Sin embargo, el elemento característico del Islam propiamente dicho es su forma de decorar los elementos arquitectónicos. Por el exterior, podemos observar simplicidad de formas (por ejemplo, de nuevo los muros de la Mezquita de Córdoba), pero en su interior un fino trabajo decorativo ya sea basado en motivos vegetales (ataurique), escritura epigráfica (versículos del Corán), escritura khúfica y el uso de motivos geométricos en lacería, muy habituales en zócalos. Así mismo, destacar el empleo de cerámicas vidriadas o mocárabes, muy usadas en interiores de cúpulas o en zócalos.

En el caso de la Mezquita de Córdoba, fue comenzada a construirse en tiempos de Abd-Al-Rahmán I en el siglo VIII. Edificada sobre una antigua ermita visigótica, el edificio religioso creció conforme las exigencias de una gran urbe como fue la Córdoba islámica, sobre todo en su época califal, así también lo hicieron. Es por esto que se llegó hasta una capacidad máxima de 25,000 creyentes para la oración. Conocida por su "bosque de arcos", las naves que conforman el "haram" o lugar de rezo, se sustentan en una hábil combinación de arcos de medio punto en su parte superior, sustentados por pilastras que parten del arranque de arcos de herradura, que descansan sobre columnas de origen romano. Sin embargo, la curiosidad más relevante de la Mezquita de Córdoba es que el Mihrab (lugar de máxima importancia)no es el centro de la quibla o muro orientado hacia la Meca, como es habitual. Esto se debe a que en tiempos de Al-Mansur (Al-Manzor), la mezquita, por razones técnicas y de espacio, tuvo que ser ampliada varias naves en dirección a Levante, lo que descolocó el mihrab.


La Alhambra de Granada es un ejemplo de palacio musulmán situado en un enclave estratégico dominado por un alcazaba. Impulsada por la dinastía Nazarí, en los siglos XIV y XV, la construcción de este soberbio palacio se basó en dos partes principales: palacio de Comares y el de Los Leones. Así mismo, en base a dos grandes patios (Arrayanes y Leones), en torno a ellos se articulaban palacios, espacios abiertos, miradores hacia el valle, grandes salones o espacio para más jardines anteriores. Es muy importante valorar el juego de luces, sombras, agua y efectos visuales del mocárabe, que hacen de todo el conjunto arquitectónica una auténtica delicia.


Los Reales Alcázares de Sevilla son otra muestra de construcción defensiva musulmana desarrollada en tiempos de los almohades, teniendo un gran desarrollo con el estatus de Sevilla como capitalidad del Imperio Almohade (siglos XII-XIII). Dispone de un perímetro amurallado sobre partes de origen anterior a Roma según últimos estudios, rematada por merlones piramidales típicos almohades. El interior de los Reales Alcázares obedece claramente a la distribución de la residencia musulmana, aunque la reconquista cristiana supuso sobre todo una mayor influencia de los cánones cristianos. Por ejemplo, el Patio de las Doncellas, una buena muestra de arte mudéjar sevillano, pero sobre todo, citar la famosa cúpula dorada del Palacio de Embajadores.